a caddy for daddy

The wildest: Louis Prima

2011-11-26T09:40:00.000-08:00

Amateurs exclusifs de Lee Konitz ou d' Albert Ayler, ne lisez pas ce papier, ce n'est pas pour vous ( je reconnais ses qualités à Lee Konitz et j'ai de l'inclination pour certains aspects de l'oeuvre d' Albert Ayler ). Nous avons tous une faiblesse pour un artiste qui ne rentre pas dans le cadre de nos goûts habituels ; avouons le sans honte. Pour ma part ma faiblesse cachée s'appelle Louis Prima. Bien sur ce nom vous dit quelque chose et le quelque chose est vraisemblablement « Just a gigolo » , auquel vous n'avez pas pu échapper . Peut être également,en vos jeunes années, avez vous vu le Livre de la Jungle de Walt Disney et vous n'avez pu vous empêcher de vous trémousser quand le roi des singes – King Louie- entraîne toute la troupe dans une swinguante sarabande infernale, sur l'air de I wanna be like you. C'est bien sur encore Louis Prima qui prête sa voix et sa trompette au personnage.

Pour ma part je devais avoir quelque chose comme seize ans quand, sans doute sur les conseils avisés d'un aîné, je me suis rendu acquéreur d'un 45 t. d'occasion dont la pochette était celle là :

C'était bien sur mes premiers contacts avec le Jazz et ils étaient du coup particulièrement jubilatoires. J'ai joué le disque sur mon pick up ( just a gigolo sur une face, Night train sur l'autre ) un nombre incalculable de fois, jusqu'à le connaître par cœur.

Je vous parle de Louis Prima car je suis en train de lire sa biographie, celle là ( assez facile à trouver mais malheureusement non traduite en français à ce jour ) :

Né en 1910 à la Nouvelle Orléans, Louis était musicalement un épigone d'un autre Louis de la cité du Croissant, Louis Armstrong évidemment. Il n'en possédait ni le génie ni l'envergure et aurait pu demeurer dans l'ombre avec les nombreux autres imitateurs de Satchmo s' il n'avait eu des qualités spéciales.

Tout d'abord Louis Prima était un génial homme de spectacle et un entertainer né. Bête de scène il passera sa vie à se produire chaque soir avec sa troupe parfaitement rodée. Véritable éponge des courants musicaux du temps il créera un style bien à lui, mixant le Jazz traditionnel de la Nouvelle Orléans, le Swing des big bands des années 40, les choeurs doo-wop, le shuffle du R&B et la gouaille italienne de ses racines siciliennes.

Le swing contagieux est le maître de mot de Prima. C'est lui par exemple qui a écrit le fameux Sing, Sing, Sing popularisé par Benny Goodman et Gene Krupa.

Pensionnaire à vie des meilleurs clubs de Las Vegas, Louis Prima s'entourera de deux personnalités complémentaires : Son épouse de l'époque la très bonne chanteuse Keely Smith qui sur scène par un comportement quasi hiératique jouait l'antithèse du perpétuel agité Louis Prima ; Et le très bon saxophoniste ténor, chef d'orchestre et arrangeur Sam Butera, suiveur d' Illinois Jacquet, et son orchestre The Witnesses.

Le bouquin n'est pas passionnant mais donne un aperçu intéressant de la vie du Las Vegas de l'époque avec l' imbrication étroite des vedettes italo américaines, Frank Sinatra, Louis Prima, Dean martin ( Dino Martino ) avec la mafia qui contrôlait tout le système. Marié cinq fois Louis Prima avait accumulé les pensions alimentaires et était obligé de maintenir un rythme effréné pour faire face à ses obligations. Tout s'arrêtera en 1975 quand, opéré d'une tumeur au cerveau, il tombera dans un coma qui durera trois ans, jusqu' à sa mort en 1978.

Une illustration musicale avec des extraits de ses nombreux passages à la télé, dont inévitablement Just a gigolo :

Un peu de Keely Smith en solo. Divorcée de notre héros Keely lui survivra ( elle doit toujours être de ce monde ) et reprendra une carrière soliste dans les années 80.

Enfin du Sam Butera comme si vous y étiez :

L'univers intemporel de Louis Prima ne pouvait manquer de susciter des vocations et, de fait, il a un héritier direct : le saxophoniste ténor et chanteur anglais Ray Gelato ( je ne sais si c'est son vrai nom mais j'en doute ). Avec sa formation les Jazz Giants, Ray depuis des décennies délivre son message de swing et de bonne humeur à travers l'Europe – Il était à Marciac cet été- . J'ai vu deux fois le lascar et son spectacle ; ce n'est évidemment pas quelque chose à écouter la tête entre les mains mais à déguster sur place, comme les bananes de Jean Paul Sartre (1).

Ray Gelato ladies and gentlemen :

A bientôt chers petits amis...

(1) Jean Paul Sartre qui avait passé une partie de sa vie à soutenir le communisme n'était pas à une idiotie près et avait déclaré : "Le Jazz c'est comme les bananes ça se déguste sur place ! "

Mingus et Strozier

2011-11-22T09:21:00.000-08:00

Si vous connaissez le Téléthon, et comment auriez vous pu y échapper, vous avez une idée du système de « fundraising » à l'américaine. Facilité par des pratiques fiscales que nous n'avons pas complètement importées, ce mécanisme permet de lever des fonds, parfois considérables, pour diverses œuvres, associations ou projet culturels. Cela va du financement des documentaires sur la télé publique PBS aux bancs de Central Park qui arborent une plaque au nom du généreux mécène qui veille à leur entretien et à leur réhabilitation- avoir « son » banc à central Park est très tendance chez les familles fortunées et philanthropes-. Les exemples les plus importants en terme financier sont ceux portés par les actuels milliardaires comme Bill Gates ou Warren Buffet.

Et le jazz dans tout ça me demandez vous avec angoisse ? Il n'échappe pas à la règle et de nombreux riches amateurs participent à son financement via des fondations diverses.

Tout ça pour vous parler d'un nouveau projet sympathique auquel vous pouvez participer si vous êtes un peu armé côté pognon.

Le propre petit fils de Charles Mingus, Kevin Elligton Mingus, se propose de réaliser un documentaire sur la vie et l' œuvre de son grand père. Il existe déjà des documentaires sur CM, j'en ai vu au moins un, mais la dimension du musicien et du personnage est telle qu'une nouvelle œuvre sur lui ne peut qu' être bienvenue. Ajoutez y le fait que beaucoup des témoins qui ont participé de près ou de loin à l'aventure Mingus ne seront pas toujours là et que le petit fils peut avoir accès à d'intéressantes archives ou témoignages familiaux.

Le principe est de fonder le financement sur des dons du public. A l'instar du Téléthon vous pouvez donc faire des promesses de dons d'ici le 18 décembre, date à laquelle l'opération s'arrêtera si le chiffre nécessaire à la production ( 45 000 $ ) n'est pas atteint. Tous les souscripteurs auront droit à des avantages, le DVD cela va de soit mais aussi un traitement de VIP pour les projections etc...

Voici le lien vers le site qui explique le mécanisme et recueille les dons :

http://www.kickstarter.com/projects/1198687204/charles-mingus-documentary-mingus-on-mingus?ref=live

L'héritier Mingus vend son projet dans la vidéo ci dessous.

A vot' bon cœur messieurs dames :

Strozier

Pour ma rubrique maintenant bien fournie des Unsung Heros du Jazz, il m'est venu à l'esprit d' évoquer un des cas les plus déprimants de l'histoire : celui de Frank Strozier.

Songez que rien dans la carrière de ce type n'éveille l'attention : Pas de génie précoce ni de de destin romanesque à la Chet Baker, avec son cortège d'addictions, chute dans les enfers et résurrection. Ne comptez pas non plus sur une disparition prématurée ( né en 1937, Frank semble toujours, et tant mieux pour lui, en vie à ce jour ) qui l'aurait transformé en icône comme Clifford Brown ou Booker Little. Rien non plus dans le genre déchéance, descente SDF ou du même genre, ce qui plaît toujours dans les biographies tourmentées.

Ne comptez pas sur lui non plus pour avoir, même de loin, participé à des œuvres majeures du Jazz ni même figuré dans des phalanges prestigieuses comme Charles Mingus ou Duke Ellington.

Un des nombreux talentueux musiciens de Memphis qui en regorgeait à l'époque, Frank ne s'est pratiquement pas singularisé, en aucun domaine. Sa discographie est particulièrement maigre : deux disques en 1960/61 chez Vee Jay et Atlantic ; Deux disques en 1961/62 chez Jazzland qui n'ont jamais été réédités à ma connaissance ; et enfin deux disques dans les années 70 chez SteepleChase qui n'ont eu aucun succès. Les précédents non plus d'ailleurs, à une exception près. Et encore l'exception ne tient pas à une reconnaissance de notre Frankie mais à la présence discographique, rare puisqu' il a disparu à l' âge de 23 ans, du grand trompettiste Booker Little. C'est ce disque là :

Outre Booker Little, l'orchestre est composé de la section rythmique de Miles Davis à l'époque : Winton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb . C' est réellement un témoignage important.

Altiste parkérien comme on se devait de l'être à l'époque, FS avait fait évoluer son jeu vers quelque chose de plus tranchant, comme acidulé, qui le rapprochait beaucoup de Jackie McLean ou de John Jenkins . Il semble que ce ne soient pas les qualités musicales ou une personnalité affirmée qui lui aient manqué mais simplement de ne pas avoir été au bon endroit au bon moment. Manque de bol caractérisé quoi !

Un peu désespéré de cette absence de reconnaissance, Frank Stozier, après avoir participé à quelques aventures musicales comme celle du big band de Don Ellis et avoir été fugacement chez Miles Davis, abandonnera le sax pour se tourner vers le piano, sans plus de succès d'ailleurs.

On peut le trouver également comme sideman avec Roy Haynes ( Cymbalism en 1963), Chet Baker et le MJT+3 du batteur Walter Perkins par exemple.

Frank Strozier a été un peu un artiste maudit ; plein de talent avec une voix personnelle, il est resté quasi anonyme et mérite le détour des amateurs.

Pour vous faire envie quelques extraits musicaux.

Frank Strozier ladies and gentlemen :

Consciencieusement, j'ai réécouté les disques de Frank Strozier pour les besoins de cette mini chronique. A mon très humble avis le meilleur et le plus représentatif de son talent est celui là ( enregistré en 1961, Frank n'avait que 24 ans à l'époque ) :

Arrangeur et leader d'un combo où figurent ses compatriotes de Memphis Harold Mabern -piano- et George Coleman – ts – il se taille la part du lion dans les chorus, à l' alto et à la flûte. Petite curiosité de la composition de l'orchestre: deux des participants ont des progénitures plus célèbres qu'eux. Le sax baryton Pat Patrick, familier de la troupe de Sun Ra, a eu un fils, Deval Patrick, qui est l'actuel gouverneur du Massachussets et une figure influente du Parti Démocrate. Quant au bassiste Bill Lee son rejeton n' est rien moins que le fameux cinéaste Spike Lee. Anecdotique mais amusant non ?

Un extrait de ce disque:

A bientôt chers petits amis...

A propos d'un nouveau livre sur Norman Granz

2011-11-19T10:37:00.000-08:00

Il existe depuis toujours un débat quasi philosophique parmi les historiens à propos des grands hommes dans l'histoire. La question est : les grands hommes ( entendu au sens neutre de leur place dans l'histoire ) ont ils « fait » l'histoire, l'ont ils influencée de façon définitive ou, au contraire, n'ont ils fait que personnifier un mouvement basé sur des forces profondes ; les évènements eussent-ils été quasiment semblables sans leur présence ? Pour illustrer le propos, l' histoire de l'Europe aurait elle été la même sans l'existence d'un petit caporal autrichien nommé Adolf Hitler ? Non évidemment, répondent les tenants de la première école, à peu de chose près la même, affirment les autres ; arguant que la nature historique a horreur du vide et qu' à la place de Hitler un autre hérault de l'hyper nationalisme allemand aurait pris sa place et le déroulement des choses n'en aurait ( malheureusement dans ce cas ) pas été fondamentalement affecté.

Plusieurs fantaisies romanesques se sont appuyées sur cette idée. Que ce serait il passé si ? Philip Roth a écrit un livre dans lequel Charles Lindbergh, l'aviateur populaire mais aussi idéologue raciste et extrêmiste, est élu président des Etats Unis. Tenant sans doute de la deuxième école, l'auteur multiplie les événements qui font qu'au bout du compte, après quelques péripéties, l'histoire fantasmée se recale sur l' histoire réelle.

Passé ce préambule alambiqué sur des théories fumeuses, on peut réfléchir à cette question à propos de l'art en général et du Jazz en particulier. Quid de l'histoire de la peinture si Cézanne n'avait pas existé ? Quid de l'histoire du Jazz si Louis Armstrong, Lester Young ou Charlie Parker n'avaient pas existé ?Le be bop par exemple avait il des racines,sociologiques, historiques et musicales telles que, de toutes façons, ce courant esthétique aurait vu le jour indépendamment de l'existence de tel ou tel artiste ?

Ce qui est vrai de l'influence des artistes l'est également des intervenants extérieurs à la création. Dans quelle mesure l'existence d' Alfred Lion , patron de la firme Blue Note, a- t- elle modifié la production du Jazz des années 50 et 60 ? La réponse est évidemment affirmative . Sans lui l'héritage du Hard bop de cette époque ne serait évidemment pas ce qu'il est.

D'autres personnages considérables ont joué un rôle dans la production de la musique telle que nous la connaissons.

Parmi eux le producteur de concerts, patron de firmes phonographiques et imprésario Norman Granz a eu une influence incontestable.

Issu d'une famille juive ukrainienne immigrée ( il a été le premier de sa famille a naître sur le sol américain ) il a inventé des concepts nouveaux qui ont modifié notre perception de la musique, bien que lui même n'en n'ait jamais joué une seule note.

Tout d'abord le JATP, Jazz at the philarmonic, du nom du Philarmonic auditorium de Los Angelès où s'est tenu le premier concert. Le principe était simple mais révolutionnaire : faire jouer ensemble en public les meilleurs musiciens du moment toutes époques et tous styles confondus. Cerise sur le gateau, Norman a enregistré ces rencontres historiques ( Lester Young et Charlie Parker/ Coleman Hawkins et Oscar Peterson ou Nat King Cole ) qui ont donné parfois le pire en cabotinage musical mais souvent le meilleur et sont un témoignage irremplaçable de ce que pouvait donner un concert sans le carcan de la durée imposée jusque là par le format 78 rpm . Un des éléments consubstantiels du Jazz, la jam session, trouvait pour la première fois son espace public.

Qui dit enregistrements dit labels et Norman en a créé plusieurs : Clef Records en 1946, puis Norgran puis un des plus célèbres : Verve, toujours opérationnel aujourd'hui. Après avoir vendu Verve à MGM en 1960, pour une, pas si petite que ça, fortune , il créera Pablo Records qu'il vendra également en 1987 quand il se retirera des affaires.

Au fil des ans, notamment chez Pablo, se constituera une véritable « écurie » des poulains de Granz : Ella Fitzgerald dont il était également l'agent tout comme celui d' Oscar Peterson ou Zoot Sims, Joe Pass, NHOP, Roy Eldridge , Eddie Lockjaw Davis, Count Basie etc etc...

Il produira le plus célèbre film sur le Jazz « Jammin' the blues », organisera aux Etats Unis et en Europe les plus fabuleuses tournées du JATP, offrira à Charlie Parker les meilleures conditions d'enregistrement dont l'écrin de la séance avec cordes. Au fil des années il produira, notamment pour son artiste vedette Ella Fitzgerad, des albums concepts en particulier autour de l' « American songbook »

Norman Granz n'était pas un type facile. Malgré sa fortune il avait des positions et des principes qu'on qualifierait aujourd'hui, au sens américain du terme, de « libéral de gauche ». Outre que contrairement à la plupart de ses concurrents il payait très bien les artistes, s'assurant ainsi de leur fidélité, son combat contre la ségrégation a été constant et mené avec vigueur. Il n'acceptait aucune ségrégation, ni sur scène ni dans la salle ce qui lui a valu dans l' Amérique des années 50 et 60 de nombreux combats. Son caractère opiniâtre et procédurier l'a fait craindre des racistes patentés qui avaient appris à leurs dépens que Norman n'hésitait pas à aller devant les tribunaux avec pugnacité quand il le fallait, et avec les meilleurs avocats du pays. Si vous voulez en savoir plus sur cet aspect de la personnalité de Norma Granz, un livre à ce propos vient justement de sortir, celui là : « Norman Granz – The man who used Jazz for Justice » .

Il vient de s'ajouter à ma liste de livres en attente. Je vous en reparlerai si ça vaut le coup...

A l'exception du management d' Ella, Norman s'est retiré des affaires en 1987 après la vente de Pablo Records et était devenu un collectionneur important d'art contemporain, ami de Picasso et de Miro. La vente d'une partie de sa collection en 1968 a atteint des sommes records.

norman et picasso

Dissimulant sa profonde timidité derrière un masque de dureté et de brusquerie il s'était fait quelques ennemis dont Frank Sinatra qui le haïssait et à qui il le rendait bien, mais ses rapports avec Duke Ellington ont été également un peu compliqués humainement.

Pour illustrer tout ça, une partie d'un documentaire ( vous pouvez je pense trouver la suite sur YouTube ) où l'on voit Norman vers la fin de sa vie- il a disparu en 2001 en Suisse où il s'était retiré – commenter un des plus célèbres films qu'il ait produit, avec Coleman Hawkins et Charlie Parker. Si vous vous étonnez de l'allure dissipée de nos deux gaillards, cela est du au fait qu'ils utilisent ici une technique à laquelle ils n'étaient pas accoutumés : Le Play Back.

Norman, Coleman et Charlie, ladies and gentlemen :

La prochaine fois je vous entretiendrai de Steve Grossman, si je ne change pas d'avis d'ici là...

A bientôt chers petits amis...

A propos de Lionel

2011-11-16T10:40:00.000-08:00

Avec mon précédent message consacré à Jonah Jones, j'abordais ce qui semble aujourd'hui un continent perdu du Jazz : le Jazz mainstream parfois appelé Middle Jazz ou swing ou Jazz classique. Hormis quelques spécialistes grognons ou monomaniaques cette séquence ne semble plus intéresser grand monde parmi les amateurs.

La période couvre grosso modo les années 30 et 40 et se poursuit dans les années 50 et 60 en parallèle avec le be bop et d'autres écoles nouvelles ; les acteurs de la période précédente étant toujours en vie.

Bien que se développant à l'intérieur d'un cycle historique marqué par la grande dépression puis la guerre, la musique se caractérise généralement par une intense joie de vivre. Louis Armstrong, Fats Waller, les bigs bands blancs de Gene Krupa ou des frères Dorsey, le big bands noirs de Jimmie Lunceford ou Count Basie, les saxophonistes Herschel Evans, Chu Berry ou Illinois Jacquet n'inclinent pas particulièrement à la morosité ou à l'introspection lugubre.

Je vous raconte tout ça, que vous savez déjà, car je viens de mettre la main sur un coffret paru chez Mosaïc consacré aux enregistrements effectués pour le label Victor entre 1937 et 1941 par les petits ensembles réunis par Lionel Hampton, qui était l'archétype du « Swing Craze » . C'est ça :

Je connaissais déjà une partie de ces enregistrements parus en vynil voilà des dizaines d'années chez RCA ; puis par la réédition chez Classic de ces chefs d'oeuvre, mais l'écoute en continu procure un plaisir et une connaissance supplémentaires.

Soyons clairs, cette production n'était pas originellement destinée aux musicologues distingués ( les musicologues sont forcément distingués ) mais au grand public, blanc ou noir compte tenu de la mixité des formations, et particulièrement aux danseurs. Sur ce point c'est totalement réussi, la majorité des titres sont pris sur un tempo dansant et d'une régularité inégalée.

La période pendant laquelle ces disques sont réalisés est hautement significative.En 1937, Lionel n'a pas 30 ans et les temps économiques difficiles commencent à s'estomper sous l'effet de la politique Rooseveltienne.En 1941, Pearl Harbour et l'entrée en guerre des Etats Unis sonnent le glas de cette courte période historique insouciante.

Le principe chez Victor était simple : on réunissait autour d' Hampton un petit orchestre de studio, c'est à dire qui n'avait pas vocation à perdurer au delà de la séance. Mais ces orchestres étaient constitués des meilleurs solistes des nombreux big bands de l'époque, noirs ou blancs -Cab Calloway avec Jonah Jones ( tiens le revoilà ) ou Cozy Cole, Count Basie, Jimmie Lunceford, Duke Ellington avec Johnny Hoges ou Cootie Williams par exemple , Benny Goodman avec notamment Charlie Christian ; le tout à l'avenant. Ajoutons des arrangements sur mesure : simples, dansants, riffés et terriblement efficaces.

Dans ce contexte les solistes de renom, des vétérans au tout jeune Dizzy Gillespie, pouvaient développer leur art sans contraintes autres que de plaire au public.

Et puis il y a le catalyseur Lionel. Tour à tour batteur déchaîné sur des caisses claires tendues presqu'au point de rupture, pianiste quasi dactylographique utilisant ses deux index comme les mailloches de son vibraphone, chanteur délicieux et plein de malice et surtout le premier vibraphoniste de l'histoire du Jazz, feu d'artifice de virtuosité.

Tout ceux qui ont vu jouer Lionel ont forcément été subjugués par son talent de musicien et d'entertainer. La dernière fois que j'ai assisté à un de ses concerts, c'était à Nice, le décalage était incroyablement frappant entre l'arrivée à tous petits pas maladifs d'un vieux monsieur revêtu d'une moumoute et son déchaînement ultérieur devant l'orchestre. Certes il ratait ici et là les baguettes lors de ses exercices de jonglerie à la batterie mais la magie était toujours là.

Sur le plan humain Lionel n'était pourtant pas un ange. Un égo démesuré et une ladrerie à toute épreuve renforcés par son manager, sa femme Gladys avec laquelle il formait un duo infernal pour ses musiciens, se conjuguait avec une tendance réactionnaire de première ( Lionel était de toutes les campagnes républicaines, notamment celles de Richard Nixon qui était son héros !..) Qu'importe Lionel on t'aime et on te pardonne tout.

Si vous vous sentez aujourd'hui maussade ou d'humeur morose, vous êtes sauvés grâce à la médecine du docteur Gaston. Courez vous procurer le coffret Mosaïc, s' il est toujours en stock ( ce qui n'est pas sur, Mosaïc édite à tirage limité ) vous disposerez de plus de cinq heures de bonheur, de remède contre la morosité et de bonne humeur. Voltaire nous apprenait qu' « il est poli d'être gai », après ma médication vous serez d'une politesse exquise !

Pour vous mettre en jambes, car je vous soupçonne férus de danses zazoues, deux extraits musicaux qui n'ont toutefois rien à voir avec la période 1937/1941.

Lionel et son big band en 1954 sur deux de ses chevaux de bataille : Vibes boogie et Flyin' home.

Une autre merveille des merveilles : Lionel et son All Stars, live au Pasadena civic auditorium en 1947. Ecoutez jusqu'au bout, laissez d'abord s'enfiler les chorus ( dont un délicieux de Slam Stewart à la basse fredonnée à l'octave ) puis, après celui du tout jeune Barney Kessel, Lionel entre en piste pour une démonstration de vibraphone qui vaut son pesant de réécoutes successives !

Lionel Hampton ladies and gentlemen

A bientôt chers petits amis...

Jonah et la baleine

2011-11-13T09:20:00.001-08:00

Quandon est un amateur, même, croit on, chevronné, il y atoujours un hic. Le hic est que l'on croit tout savoir et toutconnaître et qu'on fait régulièrement desrencontres musicales qui remettent en cause nos belles certitudes.C'est justement le cas avec le trompettiste mainstream Jonah Jones.

Jecroyais connaître le lascar parce que j'avais entendu sesenregistrements des années 60 pour Capitol. Je l'avais classédans la catégorie "sympa mais sans plus" et dans la sous catégorie "roi des sourdines".

Pourtantquelques interventions ouïes chez Cab Calloway, Sidney Bechet ouavec Stuff Smith auraient du me mettre la puce à l'oreille.Mais non, notre Gaston engoncé dans ses croyances ne voulaitpas se fendre de la poignée d'euros nécessaire àl'acquisition des œuvres de notre Jonah.

Etpif, je tombe sur le net sur un enregistrement extraordinaire, celuilà :

Cedisque est la compilation d'enregistrements américain etparisien de 1954. Cette année là notre Jonah fraisémoulu de l'orchestre de Cab est invité au Salon dujazz à Paris. A cette occasion il grave dans la cire deuxséries de disques. Tout d'abord une poignée de titresavec le sax ténor Alix Combelle .C'est la meilleure.Jonah y est absolument époustouflant de vélocitéavec une technique à faire palir bien de ses commensaux. Ilsemble que ce disque ait été enregistré pour lamarque Swing qui précédait le label Vogue.

Ony retrouve avec plaisir le ténor Alix Combelle dont le jeu,disons rustique pour ne facher personne, met parfaitement en valeurcelui de Jonah. Emule de Louis Armstrong, et un peu de CharlieShavers, notre homme que la pianiste Lil Hardin ( qui s'y connaissaitpour avoir été mariée à Louis )surnommait Louis Armstrong le second, est caractérisépar une technique incroyable et un swing intense comme aurait ditHugues Panassié...

Unedeuxième série est réalisée avec SidneyBechet. Là c'est plus compliqué pour Jonah. Il s'agitd'enregistrements extraordinaires mais surtout pour Sidney. Il estvrai que Mr Bechet est particulièrement encombrant et que sonénorme présence et son vibrato génial etenvahissant laissent peu d'espace à ses partenaires, aussidoués soient ils. Ce disque semble avoir étéenregistré pour Vogue. Cela me laisse penser que Swing estdevenue Vogue cette année 1954. Si Anne Legrand LA spécialistede Vogue passe par là, elle doit pouvoir confirmer ou infirmerma déduction.

Enfinune séance à New York pour le label Bethlehem avecEdmond Hall-cl- et Vic Dickenson-tb- notamment dont un JJ Special,titre éponyme de la compil où Jonah brille detechnique, façon vol du bourdon.

Notretrompettiste ne manquait pas d'humour puisqu' une de ses compositions'intitule Whales' blues, le blues de la baleine, en allusionvraisemblable à son prénom.

Décidémentpris par l'enthousiasme des néophythes je suis impatient dedécouvrir d'autres enregistrements de ce musicien. Bien qu'ilne fut pas un novateur comme Red Allen ou surtout Roy Eldridge, JohahJones semble bien oublié aujourd'hui, peut être enraison du succès de ses disques très « commerciaux »ultérieurs.

Commec'est le "jour de la gentillesse", comme vousl'avez peut être lu dans la presse ( que ne vont ils pasinventer hein?) je vais vous faire deux cadeaux dont un exceptionnel.

Lepremier , pour les gens pressés ou pas intéressésplus que ça par Jonah Jones, un extrait musical du disque, ici( avec Alix Combelle ) :

Pourles moins pressés ou auxquels ma prose a mis l'eau à labouche, un lien de téléchargement de l'entier disque.Généralement je ne fais jamais ça mais il s'agitlà d'enregistrements qui ont plus d'un demi siécle etje suppose qu'il n'y a plus de droits depuis un moment et de toutesfaçons les musiciens en cause ne sont plus de ce monde.(1)

Enjoy !( et Thanks to the original uploader )

http://www.mediafire.com/download.php?j3fcpt6yone5kjh

Abientôt chers petits amis...

(1)Bien évidemment si quelqu'un se sent lésé,faîtes le moi savoir, ce lien sera détruit !

Bernard sans Bianca

2011-11-11T07:12:00.000-08:00

Cela fait un bon moment que traîne ici et là dans les gazettes l'annonce d'un film consacré à Miles Davis ; ce qui ne serait non seulement justice mais une bonne affaire commerciale vu la dimension du personnage qui est largement connu du grand public, sinon sa musique. Il semble toutefois qu'on s'oriente vers quelque chose de tout à fait différent du film de Clint Eastwood consacré à Charlie Parker, quoiqu'on pense de cette dernière œuvre mais qui avait au moins le mérite d'une certaine fidélité historique et musicale.

Le nom du réalisateur retenu, George Tillman Jr, n'incite pas à l'optimisme, sa ( petite ) œuvre passée – Notorious, Men of Honor- ne se distingue pas par des standards cinématographiques ou éthiques très élevés.

D'après ce que j'ai compris en lisant la presse américaine, le scénario serait basé sur le livre du fils le plus âgé de Miles, Gregory Davis ( The Jekyl and Hyde life of Miles Davis ).

Un des éléments essentiels de la fabrication du film sera le casting du rôle principal. Vu l'orientation que semblent prendre les choses je propose George Clooney. Qu' en pensez vous ? Brad Pitt pourrait assurer le rôle de Thelonious Monk et Angelina Jolie celui de Billie Holiday. Quant à Jamie Fox, pourquoi pas le personnage de Gil Evans !

Je ne sais pourquoi je ne le sens pas ce coup là. Les studios américains avaient parfaitement réussi leur affaire avec Ray, biopic de Ray Charles, mais avec Miles je crains le pire. Enfin on ira voir ça mais depuis que le projet traîne ça ne semble pas être pour demain. Affaire à suivre.

Unsung heros : Bernard McKinney

Ce nom ne vous dit vraisemblablement rien sauf si vous êtes un fin connaisseur du hard bop, ce dont je ne doute pas une seule seconde. Peut être, mais ce n'est pas sur du tout, le nom musulman, Kiane Zawadi, qu'il a adopté en 1965 fait résonner en vous une vague réminiscence discographique. Non ?

Si j'avais repéré ce lascar au long de mes pérégrinations dans l'oeuvre de Freddie Hubbard ou de Pepper Adams, mangeons tout de suite le morceau : l'originalité de Bernard tient à son instrument : Tromboniste, voire sax baryton dans un certain nombre d'enregistrements c'est à l' Euphonium qu'il se distingue de ses confrères musiciens.

Un euphonium c'est ça.

Un tuba donc me dîtes vous. Certes mais avec une tonalité différente, proche du sax baryton alors que le tuba couvre la tessiture de la contrebasse. Pour être honnête, une écoute inattentive fait plutôt penser au trombone basse, famille des cuivres oblige.

Il est très difficile de trouver des infos sur Bernard McKinney SAUF que , voilà une dizaine d'années Vincent Bessières avait eu l'excellente idée d'établir des notules sur quelques acteurs méconnus du Hard bop ( il semble que lui même tenait une partie des renseignements de Michael Fitzgerald ). Si vous voulez en savoir plus voici le lien vers la note en question :http://hardbop.pagesperso-orange.fr/Zawadi/Zawadi.html . On y apprend que notre euphoniumiste était de Detroit et c'est naturellement avec ses « pays » ( Donald Byrd, Kenny Burrell, Paul Chambers...) qu'il a commencé sa carrière et que c'est un autre originaire de Detroit, Yusef Lateef, qui l'a entraîné à New York où il a fait une longue carrière de sideman, puisque son premier enregistrement date de 1955 et qu'il enregistrait encore à l'orée des années 2000.

L'utilisation de cet instrument inusité dans le Jazz donne une couleur et une originalité particulière aux disques auxquels il participe, par exemple celui là :

Un des meilleurs disques de Pepper Adams qui n'avait pourtant pas pour habitude d'enregistrer de la gnognotte ( vous remarquerez que même la pochette est très réussie ).

Ou celui là, un des premiers, et des plus aboutis, disques de Freddie Hubbard chez Blue Note :

On le retrouve aussi, toujours à l'euphonium dans le Slice of the top de Hank Mobley en 1966 pour citer quelques albums fameux auxquels notre compère a participé.

Assez de paroles de la musique ; voilà deux extraits des disques précités. Enjoy !

Bernard McKinney ladies and gentlemen

A bientôt chers petits amis...

Rita, James et l'héritage...

2011-11-08T07:04:00.000-08:00

Je m'en veux toujours d'avoir "mal parlé" de deux chanteuses dans un post précédent.

Si je maintiens mon opinion après réécoute concernant le dernier disque de Dee Dee Bridgewater, je suis bien obligé de faire amende honorable au sujet de Rita Reys.

Je ne connaissais que de nom cette chanteuse, entendue réellement très récemment. Soucieux d'être impartial j'ai cherché depuis d'autres disques de notre héroïne et j'en ai trouvés. Particulièrement un disque exceptionnel enregistré en Mai et Juin 1956 avec les Jazz messengers. Hé oui chers petits amis dans leurs prime jeunesse les JM avaient enregistré derrière, ou plus précisément avec, une chanteuse. Et cette (jeune à l'époque ) chanteuse était Rita Reys.

Le résultat est surprenant, dans le bon sens, et on se plait à regretter que la bande de Art Blakey n'ait pas réédité l'exploit une autre fois. La formation est exceptionnelle – Horace silver et Hank mobley pour la séance de Mai, Donald Byrd et Kenny Drew pour la séance de Juin- et c'est une pitié que ce disque , enregistré pour Philips Hollande à l'origine, ne soit pas plus largement reconnu dans la discographie de Art Blakey.

Et Rita ? Me demandez vous. Rita est là parfaite, façon voix blanche avec un fond d'accent hollandais charmant et elle s'insère très bien dans l'ambiance Jazz Messengers de l'époque.

Il est temps , pour ceux qui, comme je l'étais jusqu'à il y a peu ne sont pas avertis de l' art de Rita Reys, que je vous laisse juges par vous mêmes. Voilà donc un extrait de ce disque de 1956 avec les Jazz Messengers, sur un standard. Rita a enregistré beaucoup d'autres galettes dans sa vie ; Ce que j'ai entendu jusque là me laisse penser que l'opus de 1956 est ce qu'il y a de plus réussi.

Riat Reys and the Jazz Messengers ladies and gentlemen

Back to the roots

Toujours pour ceux qui suivent, vous vous souvenez peut être de mes lignes, façon chronique, dithyrambiques à propos de James Carter en général et de son dernier disque en particulier ;

Figurez vous que le bougre, toujours prêt à nous étonner, vient de sortir une nouvelle édition de son talent. Si le précédent disque était ambitieux, genre dialogue avec un orchestre quasi symphonique, le dernier est très différent puisque, avec son compère habituel l'organiste Gerard Gibbs, Jimmy rend hommage à ses racines, blues et gospel, dans un format qui est celui du « chitlin' circuit » des sixties, ténor/orgue, qui rappelle les grandes réussites du genre ( Sonny Stitt/ jack McDuff ou Stanley turrentine/Shirley Scott ). Comme toujours avec JC c'est époustouflant . Sa capacité à créer des albums qui ont du sens est une de ses marques de fabrique, avec la virtuosité. Vous l'avez compris je suis un fan de James Carter

Voilà justement notre homme avec son organ trio à New York récemment. Ne zappez pas cette vidéo, vous le regretteriez et je le prendrais mal !

Echos des blogs

Vous faites évidemment ce que vous voulez mais à votre place, si vous lisez l'anglais, j'irais faire un tour sur le blog du jour de Marc Myers ( lien ici http://www.jazzwax.com/). Marc nous livre une longue interview de Jordi Pujol, le patron de la firme phonographique Fresh sound.

Fresh sound est, comme vous le savez peut être, spécialisée dans les rééditions d'enregistrements américains de Jazz, disparus des rayons des disquaires depuis longtemps. Firme catalane, Fresh sound bénéficiait jusque là de la différence de traitement quant à la durée des droits d'auteurs entre l'Europe et les Etats Unis.

C'est ainsi que des disques oubliés dans leurs coffres par les labels américains ont pu revoir le jour pour le plus grand plaisir des amateurs.

Malheureusement les projets législatifs Européens d'aligner les règles de durée européennes sur celles des Etats Unis risquent de tuer cette belle aventure. Les ayants droits n'en seront pas mieux traités pour autant puisque les labels Us ne rééditeront pas cette musique s'il faut payer.

Bien que n'étant pas un dangereux anarchiste, je me suis toujours demandé en quoi le fait d'être le petit neveu d'un musicien talentueux et disparu depuis longtemps donnait le droit de gagner des sous. Enfin c'est comme ça , c'est le système, il faut s'y faire.

A bientôt chers petits amis...

Christiane, Betty et les taxes

2011-11-05T08:43:00.000-07:00

Je suis encore tout marri d'avoir décrié le travail de deux chanteuses dans un précédent message. J'essaye depuis de me faire humblement pardonner auprès de la communauté féminine des vocalistes en louant le plus possible leur travail. L'actualité m'en donne malheureusement l'occasion avec la récente disparition de Christiane Legrand a l'âge de 81 ans.

Même si ce nom ne vous dit rien, vous connaissiez Christiane Legrand au moins par la voix qu'elle a prêtée généreusement à la musique de son compositeur de frère, Michel Legrand pour les films de Jacques Demy. C'était elle la voix d'Anne Vernon pour les parapluies de Cherbourg ou celle de Delphine Seyrig ( la fée Lilas ) dans peau d'âne. C'était aussi la voix française de Mary poppins.

De formation classique ( elle chanta Bach mais aussi Marius Constant ou Luciano Bério ) elle s'était plus qu'aventurée dans le jazz avec Les Swingle Singers de Ward Single mais surtout les double six dont elle fut avec Mimi Perrin un pièce maîtresse.

La voilà donc avec les double six dans un arrangement de Quincy Jones sur rat race :

Puisque je suis tout contrit avec mes chanteuses, buvons le calice jusqu' à la lie et après on passera à autre chose ; je ne vais pas aller à Canossa jusqu'à la nuit des temps.

Peut être le nom de Betty Roché ne vous dit il rien. Cela ne serait pas plus étonnant que ça. Cette excellente chanteuse a cotoyé les plus grands mais n'a pas eu de bol avec les témoignages discographiques.

Qu'on en juge : Chanteuse chez Duke ellington dans les année 40, elle succédera à Ivie Anderson après avoir gagné un concours de chant à l' Appolo. Elle sera dans le coup des premières grandes œuvres ambitieuses du Duke dont le Black, Brown and beige dont elle assurera la partie blues mais malheureusement cela ne sera pas enregistré ou du moins pas sorti commercialement à l'époque. Par la suite, au moment où sa voix aurait pu être gravée dans la cire , le fameux « ban » ( grève des enregistrements ) nous a privé de ce témoignage. Quand la grève sera terminée, Betty ne faisait plus partie de l'orchestre.

Autre malchance : elle fut pendant trois ans juste après la guerre la chanteuse maison du club harlémite le Minton's où la musique nouvelle, le be bop, s'élaborait . Nous ne possédons pratiquement pas de documentation sonore des sessions du Minton's avec les jeunes Thelonious Monk, Kenny Clarke ou Charlie Parker et en tout cas rien avec Betty Roché.

Elle s'est rattrapée plus tard, à la fin des années 50, avec une petite poignée de disques, notamment chez Prestige. Je pense qu'on peut trouver celui là :

et celui là avec le formidable et méconnu guitariste Wally Richardson :

Influencée par le bebop, comme le montre son interprétation de billie's bounce dans le premier disque, elle s'est essayée dans un style scatté proche de Sarah Vaughan qu'elle n'égale évidemment pas. C'est dans le blues et les ballades qu'elle excelle.

Betty était sinon une grandissime, du moins une bonne chanteuse de son époque dont le travail a été injustement sous documenté. Quelques extraits musicaux choisis dans les deux disques ci dessus:

Betty Roché ladies and gentlemen

De la collectionnite aigüe.

J'ai parlé ici à l'occasion de la fascination qu'exerçaient sur moi les collectionneurs frénétiques.

Outre les disques ( on en est tous un peu collectionneurs avouons le ! ) cette sale manie prend des effets parfois cocasses et extravagants. Je pense aux collectionneurs d'autographes des musiciens de Jazz. Il y a des spécialistes et des collections remarquables, inutiles et sans intérêt mais remarquables.

Une des pièces les plus insolites que j'ai vue est celle ci :

La déclaration d'impots manuscrite de 1950 du clarinettiste Milton « mezz » Mezzrow ( plus fameux par sa très bonne autobiographie que par ses exploits à la claribole enchantée ).

Etonnant non ?

A bientôt chers petits amis...

Nica and Frances

2011-11-02T07:05:00.000-07:00

Chers petits amis, je viens de voir un documentaire intitulé « The Jazz baroness » consacré à la baronne Nica de Koenigswater, bien connue de tous les amateurs de Jazz bien qu'elle n'ait jamais enregistré une seule note de musique.

Figure romanesque et excentrique de la vie du Jazz moderne, Nica exerce une fascination aujourd'hui car, outre ce documentaire, une biographie très sérieuse vient de sortir aux Etats Unis ( Nica s' dream par David Kastin ). Des livres, dont une version romancée de sa vie parue en France, sont déjà sur le marché et je me souviens avoir déjà vu un documentaire précédent sur sa vie ses œuvres.

Focalisé sur les rapports et les destins croisés de Nica et de Thelonious Monk ce nouveau film réalisé pour la BBC n'apporte pas grand chose de plus à la connaissance de la vie de l'héroïne ni de Monk. Les séquences filmées ne sont pas nouvelles et proviennent pour une bonne part de l'excellentissime film sur Monk de Charlotte Zwerin Straight no chaser.

La seule information, non bouleversante je vous le concède même pour l'historien du détail, est que plusieurs témoins très proches peuvent affirmer que, contrairement à ce qui était généralement sous entendu dans l'histoire, Monk et Nica n'auraient jamais été amants mais seulement amis extrêmement proches.

L'autre intérêt du film est le témoignage de plusieurs membres de la famille Rothschild sur la jeunesse de Nica. Ces témoignages ont pu être recueillis car la réalisatrice est Hannah Rothschild, sa petite nièce. On y apprend comment étaient élevés, éloignés de toute vie réelle, les enfants dans la richissime famille Rothschild et que le père de Nica, gravement dépressif, s'est suicidé et que son suicide, par respect des convenances, a été camouflé en crise cardiaque. Cette enfance étouffante explique sans doute le farouche besoin de liberté et l'excentricité de Nica mais aussi sa schizophrénie. Faisant paire avec un Monk bipolaire et vraisemblablement schizophrène lui même, Nica formait avec lui un couple psychologiquement explosif bien qu'ils fussent l'un et l'autre d'une grande douceur de caractère.

Ce film est récent et ça ne m'étonnerait pas plus que ça de le retrouver dans les temps à venir sur une chaîne française, peut être Arte vu sa vocation culturelle. Mon conseil est de le regarder surtout si vous n'êtes pas familier avec la figure de la baronne. Vous serez étonné par le personnage, sa Bentley, ses dizaines de chats dont elle connaissait le nom de chacun ( Monk qui vécut 10 ans chez elle détestait les chats ! ), son fume-cigarette de 30 cm et son cœur d'or. Elle était toujours prête, quelque fut son état de fortune du moment, à aider les musiciens dans le besoin pour payer le loyer ou retirer du clou leur instrument. L'épisode le plus dramatique de sa vie a été son incarcération pour possession de drogue, qui appartenait en réalité à Thelonious ; elle s' était sacrifiée pour lui éviter de perdre sa licence de jouer en club.

Des dizaines de titres de morceau de Jazz font référence à la baronne. Voilà le plus célèbre, composé par Monk of course : Pannonica.

Pannonica ladies and gentlemen.( avec Monk au célesta )

Une dame qui ne déçoit pas.

Lors de mon précédent message je me laissais aller à dire du mal ( c'est tout moi ça ! ) de deux chanteuses ou du moins de leur production. Pour me rattraper je veux vous dire du bien d'une de mes chanteuses préférées quoique parfaitement inconnue en Europe. Frances Faye, puisque c'est d'elle dont il s'agit, a eu une carrière essentiellement de chanteuse de cabaret, comme Eartha Kitt ou Lena Horne. Donc variété Jazzy. Est ce du Jazz ou non ? Question sans intérêt vu le talent de la dame. J'ai découvert cette merveille par hasard grâce à sa présence sur un disque de l' arrangeur Russ Garcia, celui là où elle fait merveille :

Ses meilleures prestations sont toutefois « live », vu l'abattage de la dame, abattage qui l'a fait comparer à Dinah Washington. Sa carrière a été très longue depuis les années 30 où elle a commencé à 16 ans comme pianiste accompagnant les vocalistes puis compositrice, pour les Andrews sisters notamment. Malgré quelques prestations au cinéma elle n'a jamais atteint le succès d'une Peggy Lee à laquelle elle ressemblait pourtant stylistiquement. On peut l'entendre live dans ce disque, accompagnée notamment par le grand percussionniste Jack di Constanzo :

Une des raisons de son manque de reconnaissance dans l' Amérique des années 50 est peut être son homosexualité revendiquée ( pour qu'il n'y ait aucune ambiguïté elle terminait sa prestation par le couplet « Faye ! Faye ! Faye ! Gay ! Gay ! Gay ! ) qui ne lui permettait pas de jouer les stars glamour comme l'époque l'exigeait. Si vous en avez l'occasion essayez de mettre la main sur un de ses disques, vous m'en remercierez.

Frances Faye mesdames et messieurs.

A bientôt chers petits amis...

Nathan Davis et des dames bien décevantes.

2011-10-31T10:34:00.000-07:00

je viens de lire un livre de Philip Roth, Indignation, de 2008 c'est vous dire si je suis en avance dans mes lectures !... Quoi qu'il en soit le héros du livre, jeune étudiant modèle au début de l'intrigue, finit par périr à la guerre de Corée par la grâce ( ou plutôt la disgrâce ) d'un enchaînement de décisions qui paraissaient rationnelles sur le moment mais qui, additionnées, le conduisent à sa perte. Cela m'a fait penser, une fois le bouquin terminé à l'excellent musicien que vous connaissez peut être : Nathan Davis. La transition est audacieuse mais j'explique :

Nathan Davis alors résident européen comme beaucoup de saxopohonistes ténors avant ou après lui ( Coleman Hawkins, Don Byas, Johnny Griffin, Ben Webster, Dexter Gordon qui, le saviez vous, parlait convenablement le danois, étonnant non ? ) avait eu l'opportunité de faire une tournée européenne avec les Jazz Messengers, suite à la défection de Wayne Shorter en 1965. Séduit par son jeu et sa grande technique musicale Art Blakey lui avait proposé de prendre la suite de Wayne dans les Messengers, non seulement comme sax vedette mais comme compositeur et directeur musical. Il aurait ainsi succédé à Wayne et Benny Golson et précédé Winton Marsalis. Pas mal comme proposition non ? Que croyez vous que Nathan répondit à cette aubaine ; sur le plan musical, car sur le plan financier Art était réputé pour payer avec un lance pierres ?

Notre Nathan, excipant de femme et enfants en France refusa tout net et du coup est infiniment moins connu que son talent le justifierait.

Nathan Davis avait deux similitudes avec Charlie Parker : Comme lui il était né à Kansas City, précisément dans le même quartier et, comme le Bird, il avait commencé sa carrière dans l'orchestre de Jay McShann. Les similitudes s'arrêtent là, notre homme était un ténor hard bop plutôt Coltranien tendance première période. Outre le ténor il brillait au soprano, à la flûte et au baryton.

Si aujourd'hui des ténors comme Ricky Ford ou David Murray peuvent résider en Europe et avoir des carrières internationales, il n'en était pas de même à l'époque où les moyens de communication, physique et virtuelle n'étaient pas ce qu'ils sont aujourd'hui. Malgré la fréquentation des expatriés comme lui, notamment Woody Shaw qui, atteint par le mal du pays, retournera rapidement chez lui, Nathan n'a pas participé de près à la grande aventure du Jazz outre Atlantique.

Il se rattrapera plus tard en fondant avec Arthur Blythe, Chico Freeman et Sam Rivers le ( un peu ) célèbre groupe Roots. Mais, toujours soucieux de préserver sa vie familiale et sa sécurité et refusant l'aventure, il finira dans la peau d'un éducateur musical à l'Université de Pittsburgh. Agé de 74 ans je pense qu'il a pris sa retraite de ce poste qu'il a occupé très longtemps mais après tout je n'en suis pas sur .

Bien que Nathan ne soit pas réellement plus aventureux dans sa musique que dans ses choix personnels, j'avais un faible pour les disques qu'il a enregistrés ici dans les années 60 ( Peace Treay et Happy girl notamment avec Woody Shaw dans les deux cas ). Plus jeune que les autres résidents comme Dexter ou Griffin, Nathan apportait une touche d'avant garde, modérée certes, au paysage parisien, avant le déferlement du Free Jazz.

On peut peut être trouver ses disques de l'époque, ou ceux où il apparaît en sideman auprès de Slide Hampton ou encore Benny Bailey ( Soul Eyes avec Mal Waldron ).

Pour vous donner une idée au cas où, quelques extraits musicaux

Nathan Davis ladies and gentlemen :

Des dames bien décevantes

Connaissez vous la chanteuse hollandaise, disparue maintenant, Rita Reys ? Je la connaissais que de nom et viens conséquemment pour ne pas mourir idiot d'acquérir ce disque ( la présence de Johnny Griffin a certes aidé ).

Malgré tout le bien que je pense des dames en général et des chanteuses en particulier je dois avouer ma grande déception devant une voix confidentielle assez loin du talent d'autres européennes comme Karin Krog ou Dame Cleo Laine. A réécouter donc !

Autre semi déception, le dernier opus de Dee Dee Bridgewater. Un disque consacré aux chansons d'amour ( y en a-t-il qui ne le soient pas ? ) sur son label DDB.

Notre Dee Dee a beaucoup de qualité mais elle est avant tout pétulante et sa pétulance s'accorde mieux avec les up tempos, si possible live. Son précédent enregistrement consacré à Billie Holiday n'était pas convaincant franchement non plus. Dee Dee resaisis toi, on t'aime !!

Dee Dee en forme :

A bientôt chers petits amis...

le déclin du Jazz ou le pourquoi du comment...

2011-10-29T04:08:00.000-07:00

Mon message sur Joe Carroll m'a valu un commentaire très chaleureux de Christian, qui m'a fait chaud au cœur comme on dit. Les commentaires sur les blogs deviennent de plus en plus rares. Est ce un signe de la montée de l'individualisme ? je ne sais, mais le commentaire est la seule réelle récompense du blogueur, même les désagréables. Il est vrai que ce blog, vu l'étroitesse de son sujet, n'a pas pour vocation de trouver un immense lectorat mais n'hésitez pas à laisser un ( même bref ) mot si vous passez par là ; c'est mon seul encouragement.

Christian se pose ( et me pose par là même ) la question du déclin marqué du Jazz dans les années 50. C'est un sujet éternel sur lequel j' ai mes convictions. Ce déclin n'est vraisemblablement pas du , comme fréquemment, à une cause mais bien à la convergence de plusieurs.

On avance souvent l'idée que la sophistication accrue, avec le be bop et ce qui a suivi – On ne pouvait plus danser sur cette musique – a détourné le public du Jazz. C'est incontestable mais pas totalement convaincant. Le be bop à ses tous débuts était à la mode et avait trouvé son public. Si ça n'a effectivement pas duré, la musique qui a suivi dans les années 60, le soul jazz avec Cannonball Adderley par exemple était, si on fait un effort minimum d'écoute, parfaitement dansante.

Les profondes modifications dans les modes de vie apparues dans les années 50 dans la société américaine – développement des banlieues pavillonnaires , suburbs, emprise croissante de la télévision – ont éloigné le public de la vie nocturne ( clubs , concerts ) qui était le lieu par excellence de l'épanouissement du Jazz.

Le retour, enfin, d'une forme marquée de prospérité a favorisé le rock and roll naissant au dépens du Jazz ; Un hédonisme musical conciliant le besoin d'oublier les temps difficiles, la grande dépression puis la guerre, et une forme infantile de révolte contre l'american way of life conservateur et conformiste.

Enfin il est impossible de faire l'impasse sur la question raciale. N'oublions pas que le succès du Jazz dans les années 30 et 40 a été largement fondé sur des vedettes blanches : le roi du swing était Benny Goodman et non pas Louis Armstrong ; les bigs bands les plus populaires étaient ceux des frères Dorsey ou d'Harry James pas Count Basie ou Duke Ellington. Si à l'époque les musiciens noirs ont pu rencontrer un certain succès dans le sillage de leurs homologues blancs, le déclin de ces derniers pour les raisons citées plus haut les a privé des locomotives indispensables dans la société américaine encore largement fondée sur le mépris racial.

Le Jazz a toutefois continué de prospérer, de façon plus souterraine, dans les années 50 et 60 ; A preuve le nombre incalculable de disques, dont des chefs d'oeuvre, enregistrés à cette époque. Le public n'était certes plus mainstream mais composé d'une part de jeunes gens blancs « hip » qui voulaient ainsi se démarquer de la culture ambiante et d' un public noir qui restera partiellement fidèle à cette musique jusqu'à ce que le relais soit pris par le R&B et la soul music, qui tireront définitivement le tapis sous le pied des Jazzmen.

En France, comme toujours, le phénomène sera plus tardif. L'engouement pour le Jazz dans la période précédente n'avait pas été de même nature qu'aux Etats Unis et la prospérité sera plus lente ( souvenons nous de la terrible crise du logement et que des tickets de rationnement pour certains produits ont existé jusqu'en 1949 ). La popularité du Jazz s'affirmera au contraire dans les années 50 avec le formidable succès de Sidney Bechet et du « revival » en général mais aussi des concerts de Lionel Hampton ou de la tournée en 1958 des Jazz messengers. En 1962 la fin de la guerre d'Algérie et l'arrivée au pouvoir économique des baby boomers sonneront le glas de la musique noire syncopée. Un rock and Roll francisé et abatardi prendra le relais.

Et aujourd'hui me dîtes vous ? J'avoue n'en fichtrement rien savoir. Ce qui est certain est qu'aujourd'hui aux Etats Unis il n'y a jamais eu autant d'enseignement du Jazz et de musiciens, professionnels et amateurs, de Jazz. Pourtant paradoxalement il n'y a jamais eu aussi peu d'auditeurs. Pour le reste comme le disait Pierre Dac « il est difficile de faire des prévisions surtout quand il s'agit de l'avenir » !!...

Unsung heros – Nick Brignola

Si vous aimez le sax baryton ( Pepper Adams – Joe Temperley – Gerry Mulligan – Serge Chaloff – Ronnie Cuber ) J'ai quelqu 'un pour vous qui ne vous décevra pas. L'ami Nick Brignola, disparu en 2002, a été un des grands de l'instrument qu'il a pratiqué au cours d'une carrière bien remplie, en soliste ou dans les bigs bands, dont celui de Woody Herman.

J'ai découvert l'animal à l'occasion d'une tournée européenne avec son pote Ted Curson au Chat Qui pêche de Mme Ricard en 1967. Nostalgie, nostalgie... J'ai, depuis, toujours admiré cet artiste discret mais dont la discographie est remarquable. Allez un peu de Brignola dont un extrait de son excellent disque avec le tromboniste Bill Watrous plus une bonne prestation en quartet.

Nick Brignola ladies and gentlemen, enjoy !

Puisque vous semblez aimer le baryton vous en reprendrez bien un peu avec la plus belle sonorité qui soit à l'instrument, je veux parler de maître Harry Carney of course.

Pour en finir avec cette barytonnite aigue, le meilleur spécialiste français dont vous pouvez vous procurer je crois cet excellent disque :

Xavier Richardeau, en showcase :

A bientôt petits amis...

Babs Gonzales

2011-10-27T07:29:00.000-07:00

Vous vous souvenez sans doute de Joe « bebop » Carroll que je vous ai présenté voilà quelques jours. Joe constituait avec Eddie Jefferson et King Pleasure les mousquetaires du be bop vocal. Comme tous mousquetaires qui se respectent, nos lascars étaient accompagnés d'un quatrième larron : Babs Gonzales.

Il se trouve, le hasard faisant bien les choses, qu'aujourd'hui 27 Octobre est le 92 ème anniversaire de la naissance de Babs Gonzales. L’événement n'est pas suffisamment considérable pour faire la une des gazettes. J'en ferai donc ma une à moi.

Une petite notice biographique de l'ami Babs. Son vrai nom était Lee Brown. Si le surnom de Babs est d'origine familiale, son patronyme de scène a d'autres raisons. Se surnommant lui même Ram Singh dans un premier temps il souhaitait se faire passer pour indien et portait le turban. Le but du subterfuge était d'éviter les tracasseries liées à sa couleur de peau, à Hollywood où il était aller chercher, sans la trouver, la fortune. Le truc n'a pas du fonctionner puisqu'il s'est rabattu sur une soi disant identité mexicaine d'où le nom de Gonzales.

Il avait étudié le piano et la batterie mais c'est dans les studios de cinéma qu'il tentera sa chance. Malheureusement son plus grand titre de gloire n'aura été que d' être le chauffeur d' Errol Flynn. Il reviendra donc, comme chanteur, à la musique avec des gigs pour les bigs bands de Charlie Barnet et Lionel Hampton ( qui n'est pas passé chez Lionel à cette époque ?). A partir de 1946 il conduira son propre groupe influencé par le be bop naissant : Three bip and a bop, qui enregistrera pour Blue Note jusqu'en 1949 avec des titres comme Professor Bop ou Oop-Pop-A-Da qui sera plus tard popularisé par Dizzy Gillespie.

Dans les années 50 il enregistrera pour Capitol puis sera chanteur et manager pour James Moody. Pour Blue Note il enregistrera Soul Stirrin' avec Jimmy Smith et Johnny Griffin. Il sera également manager, disc jockey et fondera une éphémère maison de disques.

A partir des années 60 il résidera principalement en Europe où il sera considéré, un peu comme Screamin Jay Hawkins, comme une personnalité haute en couleur et excentrique. Il ne se déplaçait jamais sans sa cape qui le faisait ressembler à Batman. On le verra sur scène à Montreux en 1975.

Une des anecdotes les plus célèbres est la correction sévère que lui infligea le ceinture noire et adepte du Karaté Jimmy Smith dans les couloirs de Blue note. Vivant d'expédients, Babs clamait avoir découvert Jimmy et lui réclamait des commissions. C'est la seule rixe qu'il n'y ait jamais eu chez Blue note.

Babs n'était pas un grand chanteur mais il était « hip » et toujours accompagné des meilleurs pour ses enregistrements. Ce disque là par exemple ( que je cherche frénétiquement dans ma discothèque sans remettre la main dessus. Il faut que je classe c'est impératif ) le montre en compagnie de rien moins que Johnny griffin, Clark Terry, Horace parlan et Ben Riley.

Pour ceux qui doivent être majoritaires et qui ne connaissent pas l'ami Babs un petit florilège de ses œuvres :(1)

Babs Gonzales ladies and gentlemen :

Charles Mingus on Arte

Avez vous vu l'émission de Laurent de Wilde ( déjà auteur d'un film sur Thelonious Monk ) sur Charles Mingus ? C'était tard vous l'avez peut être ratée. Vous pouvez vous rattraper en streaming sur le site de la chaîne pendant un moment. Faîtes le, c'est un ordre, vous ne le regretterez pas. C'est intelligent, pas assommant du tout malgré les ( très claires ) explications techniques de l'auteur, sans pathos inutile. Enfin si vous le ratez vous ne pourrez vous en prendre qu'à vous même...

A bientôt cher petits amis...

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(1) Le premier extrait contient le premier chorus jamais enregistré par le jeune Theodore "Sonny" Rollins, déjà très reconnaissable.

Cette année là...John Jenkins.

2011-10-25T07:01:00.000-07:00

Il en est de la production jazzique comme de celle du vin, des grands millésimes et des petites années. Si on connaît précisément les éléments météorologiques qui feront une grande année vineuse, l'explication d'une grande année de musique est plus aléatoire. Quoiqu'il en soit cela ne servait que d'introduction ; je veux vous parler d'une année spéciale et extraordinaire quant à la réussite musicale, l'année 1957 évidemment.

En 1957 quelques états européens signaient le traité de Rome, les russes lançaient le Spoutnik, le gouverneur Faubus se ridiculisait dangereusement à Little Rock et Jacques Anquetil gagnait brillamment le Tour de France. Pendant ce temps aux Etats Unis d'Amérique les musiciens rivalisaient de talent dans les studios pour nous léguer quelques merveilles.

Les plus grands sont à la manœuvre : John Coltrane enregistre au moins sept disques cette année là ; dont Dakar et Lush Life. Sonny Rollins grave live le fameux At The Village Vanguard chez Blue Note. Chez Blue Note toujours Johnny Griffin en compagnie de John Coltrane et Hank Mobley nous livre la Jam Session absolue : A blowin session. Charles Mingus nous donne The Clown et Tijuana Moods. Miles Davis Miles Ahead et Relaxin. Louis Armstrong n'est pas en reste puisque avec sa commère Ella Fitzgerald il nous fait cadeau de Porgy and Bess. Quant aux maîtres du big band, le Count Basie enregistre son chef d'oeuvre E=MC2 et le Duke sa suite shakespearienne Such sweet Thunder.

Mais cela n'est qu'un aperçu facile. Les labels prestigieux – Blue Note, Riverside et Prestige notamment- tournent à plein régime et ce sont des centaines de merveilles que l'année 1957 engrangera. On dit parfois chez les amateurs : « prenez n'importe quel disque de 1957 il est forcément bon » ce qui est sûrement excessif mais révélateur.

Au cours de cette année 1957 un musicien va apparaître , briller puis disparaître quasiment la même année comme une phalène qui aurait trop volée. Ce cas unique s'appelait John Jenkins Jr.

Pur Chicagoan formé comme Johnny Griffin ou Clifford Jordan à la dure école du Captain Walter Dyett à la DuSable High School, notre héros, tout empreint de l'héritage parkerien arrive cette année là à New York à 25 ans et joue brièvement chez Charles Mingus, excusez du peu. Immédiatement remarqué il va, au cours du Printemps et de l'été 1957, enchaîner les séances.

Le 14 Avril il est avec le vibraphoniste Teddy Charles pour ce que Teddy considère comme son meilleur disque Coolin'.

Une semaine plus tard, le 21 Avril, il participe pour Blue Note au disque de Hank Mobley Hank avec Donald Byrd à la trompette, Bobby Timmons au piano et son pote de Chicago le bassiste Wilbur Ware étonnant disciple de Paul Chambers.

Le 3 Mai il participe pour Prestige à un duel avec son alter ego Jackie McLean Alto Madness

Encore une semaine plus tard, le 10 Mai, il est aux côtés de Mal Waldron et Curtis Fuller ( pas très en forme en passant ) pour un curieux disque de Paul Quinichette. Curieux par l'entourage de PQ qui est le Lestérien par définition, environné ici de purs « modernistes ». Mais notre John Jenkins y est remarquable de flamme.

Au début du mois suivant, le 2 Juin il figure dans le Blue Note 1565 de Clifford Jordan, un autre chicagoan, aux côtés de Lee Morgan tp et encore Curtis Fuller, mieux inspiré ici.

Les beaux jours étant venus, il participe le 26 Juillet à un disque « coopératif » chez Prestige sous les noms accolés de John Jenkins/Clifford Jordan/Bobby Timmons avec encore Wilbur Ware à la basse.

Toute cette activité ne pouvait échapper aux grandes oreilles du patron de Blue Note, Alfred Lion qui lui fera enregistrer le 11 Août un disque en leader. Pour plus de sûreté Alfred, prudent, lui adjoindra une valeur sure de la maison comme co-leader : Kenny Burrell.

Et voilà, il n'aura dansé qu'un seul été ! Il y aura encore son chant du cygne à l'automne puisque le 18 Novembre un groupe de pur chicagoans , sous le leadership nominal de Wilbur Ware mais dont la véritable force est johnny Griffin, enregistreront un disque manifeste et remarquable The Sound of Chicago ( Junior Mance au piano ) dont notre Jenkins fera partie.

John Jenkins n'enregistrera pratiquement plus jamais, à l'exception d'un essai de come back en 1990 avec son vieux compère Clifford Jordan pour un disque que je ne connais pas sur un label obscur.

Entre temps il restera un peu dans le business de la musique, qu'il abandonnera complètement au milieu des années 60 pour subsister un temps comme garçon de course puis s'essayer à la bijouterie artisanale qu'il vendra sur les marchés ; avant de reprendre l'instrument pour jouer essentiellement au coin des rues. Il décédera en 1993 à 62 ans.

De son jeu, le dictionnaire du Jazz sous la plume de Thierry Leboff nous dit « Évidemment parkerien, il se distingue de son modèle par une sonorité plus métallique et un léger vibrato...Reconnaissable à son phrasé vif, incisif à la manière d'un McLean, il sait se montrer émouvant lorsqu'il interprète des ballades » Tout cela est bien vu mais ne nous explique pas le pourquoi de sa carrière de météorite. Nous ne le saurons vraisemblablement jamais.

Quelques extraits des disques plus haut cités :

John Jenkins ladies and gentlemen

A bientôt chers petits amis...

Tony

2011-10-22T05:21:00.000-07:00

Un des phénomènes de l'édition musicale de ces derniers mois est le disque de Tony Bennett Duets 2. N° 1 au Billboard 200, il enregistre des chiffres de ventes inespérés, s'agissant d'un vieux crooner italo-américain qui a connu le succès dans les années 50, bien que sa renommée ne fut jamais celle d'un Frank Sinatra.

Si la mort subite d'une des duettistes, Amy Winehouse, a sans doute favorisé la promotion, malheureusement, ce succès de Tony n'est pas le premier et ne peut s'expliquer par ce seul événement extra musical.

Le disque n'est certainement pas son meilleur et n'atteint pas l'excellence des albums des années 60, comme celui avec Count Basie, au hasard. Pour autant la musique est bonne et chacun des artistes présents fait de son mieux pour être au niveau du maître. Il y a des réussites, les plus incontestables sont les duos avec Lady Gaga sur The lady is a tramp et Amy Winehouse, déjà citée, sur Body and soul. Aretha Franklin, Michael Bublé ou Natalie Cole sont égaux à eux même sans plus, ce qui est déjà bien. Norah Jones également c'est à dire que sa voix est aussi excitante qu'un frigidaire vide. Il y a même un vrai ratage avec Andrea Bocelli sur Stanger in Paradise.

Mais le succès d'une telle entreprise ne repose pas sur le compromis ni les compromissions. Tony Bennett y chante de sa façon ( magnifique ) habituelle sans aucune concession. C'est un chanteur « de Jazz » tendance crooner swinguant de la meilleure eau . Le répertoire n'est pas non plus sollicité pour « faire jeune ». Pratiquement que des standards et le duo avec Amy Winehouse, vu des millions de fois sur Youtube, repose sur « body and soul », cheval de bataille de Coleman Hawkins, écrit en 1930, presqu'aussi vieux que Tony ( 85 ans) lui même et archétype s'il en est du standard « de Jazz ».

Le bloggeur américain Clyde Smith a interrogé longuement l'artisan des succès de Tony, son imprésario/producteur Danny Bennett qui, vous l'aurez compris, n'est autre que le propre fils de l'artiste. Vous trouverez ici les liens vers le papier de Clyde Smith.http://www.allaboutjazz.com/php/news.php?id=88530

En résumé, l'auteur nous apprend qu'au début des années 80, comme tous les artistes de sa génération TB était dans une mauvaise passe ; vente de disques en berne, public vieillissant et disparaissant peu à peu. Comme ses congénères il était réduit à d'incessantes galères de tournées, le must était un engagement un peu long à Las Vegas, ringardisant encore l'image du crooner. Ajoutons, même si Clyde ne l'évoque pas, que le train de vie somptueux de Tony l'avait ruiné et qu'il était au bord de la banqueroute. Quand son fils a repris en mains sa carrière il est parti de trois postulats :

Continuer sans changer l'approche de la musique qui ont fait de Tony un classique du Jazz vocal.

Aller à la rencontre d'un public jeune sans prendre pour argent comptant les assertions des compagnies de disques quant à la ringardisation inévitable des artistes âgés ( Il n'y a pas d'âge pour écouter Beethoven ! )

Ne pas simplement faire avec les changements technologiques du métier mais essayer de les précéder.

Si la réalisation du point 1 était la plus facile, le fils Bennett a poursuivi la réalisation du point deux systématiquement. Tournées des collèges plutôt que Las Vegas, même programmation que les Red Hot Chili peppers et surtout intense lobbying auprès de MTV qui conduira à l'apparition de Tony Bennett au MTV Unplugged en 1994, après avoir avoir été un des premiers à nourrir la chaîne de Clips.

Sur le plan de la technologie, Tony sera un des premiers dans les années 80 à abandonner le format LP ou cassette et faire la transition vers le CD avec une production adaptée ( enregistrement numérique sans transfert etc ..) puis plus tard vers le Web.

Aujourd'hui le site Internet de Tony, que vous trouverez là …http://tonybennett.com/ est un des plus remarquables et interactifs de la profession. Les ventes digitales ( Itunes notamment ) sont poussées au maximum.

Il est juste de souligner que le renouveau du genre avec des artistes comme Harry Connick Jr ou Michael Bublé, qui à mon humble avis n'arrivent pas à la cheville de la sainte trinité ;Frankie ( Sinatra ) Tony ( Bennett) Mel ( Tormé ), a aidé la carrière du survivant.

A la question « conseil à un jeune artiste pour réussir » Danny Bennett répond : « Y croire à 100 % et ne pas avoir le choix « .

Toute cette belle histoire m'amène à la révolution de Jazzmin. Vous avez sans doute vu que les meneurs ( qu'on appelle maintenant les « indignés du Jazz », bientôt, de glissement sémantique en glissement sémantique, ils deviendront les damnés de la terre!!) ont été reçus par le ministre de la culture qui, paraît il va se pencher sur leur cas.

Il est, ne trouvez vous pas, intéressant de comparer la démarche du jeune vieux monsieur Bennett, allant chercher le public où il est sans rien renier de son art, et celle des vieux jeunes messieurs parisiens allant cogner avec la sébile à la porte des ministères. Bon, ce que j'en dis c'est rien que pour être méchant, j'adore ça.

En récompense de m'avoir lu jusqu'ici deux cadeaux ; le clip de Tony avec Lady Gaga et celui avec Ami.

Tony Bennett ladies and gentlemen.

A bientôt chers petits amis...

joe "bebop" Carroll

2011-10-20T07:53:00.000-07:00

Bonjour petits amis, me voilà de retour de Shanghai et comme promis je reviens vous charmer de mes petites histoires insignifiantes sur de petits artistes oubliés. Un mot seulement sur Shanghai, une des villes les moins swinguantes du monde il faut bien le dire, ce d'autant que, à une semaine près j'ai raté l'unique festival de jazz chinois semble t il où se produisait notamment Mc Coy Tyner l'unique ; tant pis pour moi mais j'aurais aimé assister à la prestation de Mc coy entouré de chinois enthousiastes. Peu doué pour les récits de voyages je vous donne quand même deux infos essentielles : On dit généralement que les chinois sont à la fois jaunes et nombreux. Sur le premier point j'infirme partiellement ; même en masse ils ne sont tous comptes faits pas si jaunes que ça. Par contre sur le deuxième aspect, la nombritude comme aurait dit l'autre sur la grande muraille, ils sont de fait vachement nombreux, à tel point que j'ai renoncé assez rapidement à les compter !

Donc me voilà condamné, tel sisyphe et son damné rocher, à reprendre ce satané blog. Si vous avez un peu suivi, mais y en t ils qui suivent ? , je vous avais promis un petit papier sur Joe Carroll, le chanteur zazou. Mes promesses sont rarement suivies d'effet, je change fréquemment d'avis en chemin, c'est l'ivresse de la liberté du blog. Cette fois, de façon surprenante je vais honorer mes promesses et vous entretenir de Joe Carroll.

Comme toujours cela nécessite un large détour. Au début des années 50, son grand orchestre dissous pour des raisons financières ( et je ne laisserai personne dire que pourtant dissous c'est pas cher ) Dizzy Gillespie, showman et entertainer sous sa rude écorce de bopper, avait eu l'excellente idée de créer un label à son nom ( nommé d'après ses initiales Dee Gee ) pour enregistrer une musique à base de be bop, interprétée majoritairement par des be boppeurs, mais accessible à l'auditeur lambda grâce à un format simplifié et une bonne dose de chansons, facéties et bonne humeur.

Si l'entreprise n'a pas recueilli le succès populaire escompté, elle nous a laissé des enregistrements de premier ordre avec la « bande à Dizzy » de l'époque où l'on retrouve ses musiciens réguliers comme le tout jeune John Coltrane, qui ne brille pas spécialement dans ces faces ( J.C à l'époque adoptait fréquemment un profil bas, il aurait confié à un camarade de pupitre : « je me fais remarquer le moins possible, j'ai trop vu de musiciens se faire virer pour avoir voulu briller aux dépens du leader ! »), des boppeurs confirmés comme Milt Jackson, que l'on peut curieusement entendre là à l'orgue et au chant désopilant ! Le baryton Bill Graham, excellent disciple de Harry Carney, et des musiciens inattendus comme le violoniste Stuff Smith dont la personnalité un brin cocasse – il jouait paraît il à l'Onix Club avec un perroquet perché sur son épaule- et le jeu démentiel et hyper swinguant collait tout à fait à l'ambiance Gillespienne de l'époque.

A mon humble opinion, tout ce beau monde s'inspirait largement de l'esprit qui présidait dans l'orchestre de Cab Calloway, qui fut longtemps le boss de Dizzy, bien que ces deux là se détestassent, Cab haïssait le be bop et trouvait que Dizzy jouait des notes « chinoises ». Quant à Diz il passait une partie de son temps au pupitre à pratiquer des pitreries derrière le dos et aux dépens du chef, voire a bombarder ses petits camarades de boulettes de papier confectionnées avec les partitions. Sacré Diz !

C'est de cette époque que datent les tubes à tendance humoristiques de Diz comme Swing low sweet cadillac ...Tel le fameux Ornicar vous vous demandez dans tout ça « Mais où est donc Joe Carroll ? « . j'y viens donc. Pour son entreprise Diz avait besoin de chanteurs, il en convoqua donc quelques, et s'y colla lui même régulièrement. Pour la séance de Mars 1951, le chanteur Freedy Strong, peu remarquable, s'y colle. C'est au cours des séances d'Avril et Août 51 que, aux côtés de Melvin Moore, on commence à entendre Joe Carroll, qui officiera seul au cours des meilleures séances, celles de Octobre 51 et Juillet 52.

C'est à ces époques que seront gravés des chefs d'oeuvre comme The Sunny side of the street ou The Bluest blues mais surtout le surréaliste Ooh-Shoo-Be-Doo-Be, manifeste gillespien et Confessin' charge ironique et merveilleusement réussie de l'art de Louis Armstrong ; ce qui vaudra à nos deux chanteurs trompettistes, si semblable au fond, d'être brouillés pendant des années ; Louis bien qu'il fut un génie avait un sens de l'humour moyen lorsqu'il s'exerçait à ses dépens !

Au cours de ces séances Joe Carroll s'affirme comme un merveilleux chanteur, capable des meilleures excentricités be bop comme d'une parfaite restitution de la manière de Satchmo. Il sera un des premiers à mettre le chanteur au centre du débat, comme on dit aujourd'hui. La mode, finissante, des bigs bands avait relégué les chanteurs, et chanteuses, au rang d'appendices de l'orchestre. C'est grâce à lui que des chanteurs "be bop" pourront mener une carrière à part entière. Mark Murphy ou Eddie Jefferson le citeront comme une de leur influence prédominante. Malheureusement pour lui, il n'obtiendra pas une reconnaissance à la hauteur de son talent.

Qu'écouter et/ou acheter de Joe me demandez vous haletants ? Outre la compil Dee Gee dont il est question ci dessus et facilement trouvable, je recommande ça :

un formidable disque de 1962 avec Grant Green à la guitare.

On le trouve aussi sur un titre ( Ool Ya Koo, tout un programme) au Carnegie Hall en 1961:

Evidemment Joe Carroll n'est plus de ce monde ; il est parti faire les choeurs derrière Dizzy, avec ses chanteurs préférés ; Babs Gonzalès ou Kenny "Pancho" Hagood ( ou « Poncho » selon certains auteurs).

En 1963, Dizzy a ré enregistré une partie des titres Dee Gee avec les double six, disque indispensable. Sur Ooh-Shoo-Be-doo, les lyrics de Mimi Perrin, amie de longue date de Diz, synthétisent la problématique : « Toutes tes belles paroles ne veulent rien dire du Toooouuuut... »

Quelques extraits musicaux de Joe « bebop » Carroll :

La théorie du chaos, aussi appelée par souci de vulgarisation effet papillon( le battement d'aile d'un papillon à Saint Loup sur Semouse déclenche un tsunami à Sumatra ) vient une fois de plus de se vérifier : une femme de chambre guinéenne à New York fera peut être élire François Hollande Président de la République en France. Preuve s'il en était besoin de l’intérêt des scientifiques...

A bientôt chers petits amis...

A bientôt...

2011-09-25T06:11:00.000-07:00

Depression blues

J’ai lu récemment un papier intitulé Jazz et Pauvreté. Malheureusement j’ai oublié le nom de l’auteur et celui du journal, quelle tête de linotte fais- je !

Quoi qu’il en soit je me souviens par contre parfaitement du sujet. En cette période de craintes sur les économies, plafond de la dette, chute boursière, crise des finances publiques, menace de récession, l’auteur s’interrogeait sur le lien entre la prospérité économique ou la récession voire la dépression et la santé du Jazz. Un peu futile certes devant des menaces autrement sérieuses mais sujet intéressant. Selon lui le rapport est loin d’être évident, voire inverse à ce qui pourrait être imaginé.

L’exemple est celui de la grande dépression des années 30 où le Jazz n’a jamais été aussi florissant, big bands à gogo tournant dans tout le pays, clubs comme le Cotton Club ou le Savoy bondés, ventes de disques record, succès phénoménal du nouveau média: la radio.

Il est vrai que cette observation a pu être faite à d’autres époques, de l’intense vie artistique et culturelle berlinoise de la république de Weimar dévastée économiquement aux nuits fébriles des heures de l’occupation à Paris quand les cinémas étaient pleins.

Voilà un bon sujet pour le CNRS; j’imagine bien une équipe pluridisciplinaire d’économistes et d’historiens de la musique travaillant sur ce sujet. Le seul problème est que leurs travaux ne seraient en rien prédictifs; le passé n’étant pas garant de l’avenir.

Le jazz depuis son origine a survécu à tout, crises, guerres, prospérité même. Il est vrai qu’historiquement ce n’est pas dans les périodes les plus fastes qu’il se porte le mieux; la période de prospérité des 30 glorieuses aux Etats Unis a plutôt favorisé l’émergence de musiques bâtardes comme le Rock n Roll que le Jazz.

Personne de sensé ne souhaiterait une cure d’austérité sévère pour favoriser sa musique préférée, ce ne serait pas sérieux.

Pour accompagner ces propos sinistres, je ne vois que le Recession Blues de BB King.

BB King Ladies and Gentlemen :

Chers petits amis,

Vous vous souvenez sans doute, lecteurs attentifs, que pendant que vous rôtissiez ce mois d' Août sur les plages ensoleillées, votre amis Gaston postait messages sur messages, à propos de petits musiciens oubliés, dont la lecture agrémentait votre sieste !

Ce bon temps est temporairement fini car Gaston prend lui aussi des vacances figurez vous ! Gaston part en Chine, Gaston sera trois semaines à Shanghai et ses environs pendant que vous pesterez dans les embouteillages urbains ou que vous subirez les mauvaises humeurs de votre N+1...

Ce blog est donc « fermé pour congés annuels » mais stay tuned car, dès mon retour, je reprendrai le collier.(1)

A bientôt donc et bon courage aux héroïques travailleurs qui continueront à produire le PIB que je dépenserai sans compter auprès de sournois commerçants chinois...

(1) je prévois de recommencer avec un papier sur Joe « be bop » Carroll, c'est pas du teasing ça ?

Unsung Heros : Oscar Aleman

2011-09-23T05:27:00.000-07:00

Savez-vous de qui le critique ( alors encore anglais ) Leonard Feather a écrit en 1939 dans Melody Maker: « Il est vraiment un guitariste sensationnel. Il joue d’un instrument entièrement métallique ( une « National » ); sa sonorité, son phrasé, son swing et son attaque sont tels que si quiconque mentionne Django Reinhardt devant moi je lui lancerai un regard glacé. Même dans ses brefs chorus, on peut affirmer qu’il possède plus de swing que tout autre guitariste du continent » ?

Pour vous aider, la même année, dans Down Beat, l’américain James Holloway écrivait du même artiste : « Argentin aux traits durs, il paraît sur scène, grimpe sur un haut tabouret et se plante sous un micro avec un projecteur faisant ressortir sa chemise blanche, sa guitare métallique et ses cheveux ondulés immaculés. Comme homme de section il produit un swing colossal et je ne suis pas certain de ne pas le préférer à Reinhardt. Comme soliste également il est renversant avec un son et un style particuliers. »

Vous y voyez plus clair maintenant. Et oui, notre argentin calamistré est le guitariste, bien méconnu aujourd’hui, Oscar Aleman.

A Buenos Aires notre Oscar a connu une enfance très malheureuse pendant laquelle il a exercé trente six métiers et trente six misères mais a appris a jouer du cavaquiho, sorte de ukulélé puis de la guitare; ce qui lui a ouvert les portes d’une carrière de musicien. Comme Django avec lequel il a énormément de similitudes il découvrira le Jazz, alors en plein essor, Après une tournée dans le monde entier avec la troupe du danseur à claquettes Harry Fleming, il se fixera à Paris où il exercera son talent dans l’orchestre de Joséphine Baker puis à son compte dans de nombreux cabarets parisiens. IL croisera évidemment son rival Django et prendra même l’habitude de le remplacer dans le quintet du HCF quand notre manouche oubliait de se réveiller, ce qui n’était pas inhabituel…

La guerre mettra un terme à cette brillante carrière européenne dont il nous reste des images et des enregistrements. Oscar retournera en Argentine où il fera une seconde carrière, moins nettement marquée Jazz et sombrera peu à peu dans l’oubli, ne subsistant qu’en donnant des cours de guitare, jusqu’à sa mort d’une cirrhose du foie en 1980.

Certain Oscar Alemanistes ont prétendu que notre héros avait influencé Django et était le premier à jouer dans ce style. A mon avis ça ne résiste pas à l’analyse chronologique et Aleman était loin de la stature du génial manouche. Tel un caméléon, il s’était imprégné du style de Django à l’époque mais avec une personnalité propre indéniable et un charme certain. Comme Django plus tard, il avait séduit Duke Ellington qui souhaitait l’utiliser comme attraction dans l’ orchestre ( on sait qu’avec Django, après guerre, ça ne marchera pas vraiment en raison du caractère fantasque du guitariste ) mais en définitive le projet avorta.

Il nous reste les enregistrements d’un artiste original qui faisait sonner sa guitare métallique comme personne. A la différence de Django, les quelques séquences filmées que nous avons ( ci-dessous ) extraites de films de l’époque ( vraisemblablement d’un obscur film français des années 30 et d’un film argentin de 1949 ) montre un « showman » incontestable qui en donnait au public pour son argent!

Quelques illustration musicales de la période européenne puis argentine de notre Oscar.

Oscar Aleman mesdames et messieurs:

Informations pratiques

Dans son journal l’os à moelle le regretté Pierre Dac donnait des infos pratiques surréalistes du genre : dimanche prochain la pharmacie Lopez de Santiago du Chili sera fermée !!

Je vous communique donc une info pratique moi aussi :

Vous avez encore le temps de vous rendre ce jour à 18 heures à la Abyssian baptist Church de Harlem ( 132 odell park place ) où se tiendra une célébration en mémoire de Frank Foster avec la participation de: Jimmy Heath, Cecil Bridgewater, Frank Wess et beaucoup d’autres. Point non négligeable le service sera assuré par le révérend Dr Calvin O. Butts III. Pour vous y rendre prenez le train 2,3,B ou C ou le bus M2 ou M7.

C’est pas de l’info couleur locale ça ??

A bientôt chers petits amis…

JR Monterose

2011-09-21T02:53:00.000-07:00

East coast, West Coast. La traditionnelle opposition entre deux styles, deux couleurs et deux modes de vie a été parfaitement illustrée par deux musiciens aux noms proches et tous les deux saxophonistes ténors: JR Monterose et Jack Montrose.

C’est le premier qui m’intéresse aujourd’hui: JR. D’abord une explication sur ce qui ressemble à un acronyme mais qui ne l’est pas. JR ne signifie pas « jeune révolutionnaire » ni « japonais radin » mais tout simplement « Junior » . Tout ceux qui se souviennent de Dallas et de l’horrible JR joué par Larry Hagman viennent brusquement de tilter!

Alors que son presque homonyme Jack se la coulait douce dans les studios d’Hollywood ou sur les scènes d’Hermosa beach, JR crapahutait dans le New York de l’époque, tout sauf cool et même franchement speed…

Notre JR avait toutefois une particularité pour la East Coast, il était, comme Jack, tout ce qu’il y a de blanc; Ce qui pour Jack était commun, l’école West Coast étant majoritairement blanche, ne l’était guère pour JR ; ses commensaux New Yorkais étant tous tout ce qu’il y a de noirs.

Plongé dans un mouvement, le soi disant « Hard Bop », qui avec le R&B et la soul a sans doute été le plus revendicativement noir de l’histoire, notre JR détonait puisqu’avec le baryton Pepper Adams il était un des rares blancs à s’exprimer avec et comme les musiciens noirs de l’époque.

Pourtant né dans une famille ouvrière de Detroit, rien ne prédisposait notre Junior à jouer les sax hard bop aux côtés d’Horace Silver, Art Blakey ou Charles Mingus. Chez ce dernier il enregistrera avec Jackie McLean le très célèbre Pithecanthropus Erectus, avant de rejoindre les Jazz Prophets de Kenny Dorham, dont il nous reste une trace discographique , live au cafe bohemia.

Il avait rencontré Philly Joe Jones au début des années 50 quand celui-ci doublait Buddy Rich dans son big band et JR soufflait dans la section de saxes. On peut imaginer que la connection vers le milieu particulier du Hard Bop viennent de là. Malheureusement pour JR de là est venue également la connection vers la drogue dont Philly Joe était un consommateur/ pourvoyeur de première.

Son heure de gloire sera un magnifique disque en 1956 pour Blue Note avec Horace Silver, Philly Joe, Wilbur Ware et le ( cette fois car il joue de tout ) trompettiste Ira Sullivan . JR joue dans une veine Coleman Hawkins/ Sonny Rollins avec un style personnel énergique et dense.

Il enregistrera une poignée d’autres disques dont The Message en 1959 ( réédité chez Fresh Sound ) mais, certainement en raison de son mode de vie erratique et de son addiction ,il se contentera d’un role de sideman avant de se réfugier en Europe où il passera huit ans dans un petit village près de Bruxelles. De retour aux Etats Unis il sera essentiellement enseignant avant de disparaître victime d’un cancer en 1993.

Bon sujet de blindfold test ( qui est le sax ténor là, avec Mingus ou Silver ? ), JR n’aura pas eu, comme beaucoup d’autres, la carrière que son talent méritait Mais il nous reste ses quelques disques comme celui de 1956 chez Blue Note ou celui de 1959, dont vous trouverez ci-dessous, devant vos oreilles émerveillées, un extrait de chacun .

JR Monterose ladies and gentlemen:

concours de pochettes exceptionnelles:

celle là n'est pas mal:

A bientôt chers petits amis...

De bien étranges soirées

2011-09-19T02:55:00.000-07:00

J'ai déjà dit ici tout le bien que je pensais de la programmation du festival de Jazz de Montlouis sur Loire. Malheureusement, chaque année je déchante une fois que j'ai assisté à un des concerts de ce festival, me promettant de l'éviter la prochaine fois. L'année d'après j'ai oublié et la qualité de la programmation me fait y retourner, je (re)déchante et ainsi de suite depuis des années.

Qu'est ce qui vous défrise à ce point cher Gaston interrogez vous poliment ? J'explique :

Imaginez un parallélépipède d' une taille supérieure à celle d'un terrain de foot ball ; Des murs de parpaings recouvert d'une superstructure de tôle ondulée et un sol désespérément plat sur la plus grande partie du lieu. L'avantage incommensurable du sol plat dans les salles de spectacle est qu'il vous fait bénéficier de la vision des nuques et des coiffures des spectateurs vous précédant mais en aucun cas, je dis bien en aucun cas, du spectacle sur scène. Conscient de cette lacune les organisateurs dans leur mansuétude ont fait installer d'immenses écrans de chaque côté de la scène ; vous pensiez voir un spectacle vivant, vous verrez la projection d'un DVD sur écran géant ! Le prix à payer pour cette soirée de rêve est quand même de 29,95 € ( vingt neuf euros et quatre vingt quinze cents ) per capita !!

J'oubliais le public- précisons que généralement la salle est pleine ; tant mieux pour les artistes, il est déprimant de jouer devant une salle presque vide, mais tant pis pour moi - dont le côté Rock and Roll est marqué : tout droit sortis d'une assemblée du Lion's Club ou du Rotary on devine les messieurs clerc de notaire, entrepreneur en bâtiment, cadres bancaires locaux ou capitaine des pompiers . Les dames sont les dames qui vont avec les messieurs ; leurs plus beaux atours choisis sur le catalogue de la Redoute. La moyenne d'âge, selon mes calculs, est de 53 ans et trois mois...

Enfin, last but not least, une régie de cauchemar. Le son n'est évidemment pas facile à rendre dans une telle configuration de comice agricole et le résultat est à la hauteur des (dés)espérances ; bien qu' entendant convenablement l'anglais je n'ai pas compris un traître mot aux chansons de Liz McComb. Mais le clou est l'éclairagiste, dont je me demande encore s'il s'était échappé le matin même d'une maison spécialisée ou si l'abus de substances hallucinogènes pouvait seul expliquer sa créativité forcenée. Transformer la prestation de Liz McComb en pyrotechnie lumineuse ( chandelles vénitiennes, ah la belle bleue, ah la belle rouge!!) est un tour de force certes légèrement agaçant mais qui demande à être salué à la hauteur de la performance. Heureusement le lendemain, pour la prestation de Roy Hargrove il semblait avoir disparu du paysage. Je craignais déjà le pire .

Et la musique me demandez vous ? Rien à dire la Liz a délivré avec beaucoup de maestria son spectacle habituel. La présence d'un guitariste un peu chiqué a légèrement gâché les choses mais vu les conditions décrites plus haut je n'étais plus à ça près. Pour Roy Hargrove j'ai eu la chance d'être placé dans les premiers rangs et l'éclairagiste fou avait été rattrapé par ses gardiens. Très bon concert avec le groupe habituel où brille le sax Justin Robinson. J'aime beaucoup Roy qui m'avait épaté déjà il y a vingt ans lors de ses premières apparitions. Ma femme s'est ennuyée « trop de Ballades » dit elle. C'est pourtant sur les ballades (1), genre difficile s'il en est, qu'on apprécie le mieux les qualités d'un musicien ou d'un groupe . Décidément je ne comprendrai jamais les femmes !

Je compte sur le temps, qui guérit toutes les blessures, pour me faire oublier tout ça et, la qualité de la programmation bla bla bla, j'y retournerai l' année prochaine...

Allez un petit Roy, avec Justin Robinson,

Roy Hargrove ladies and gentlemen:

A bientôt chers petits amis...

(1) à propos de ballades Roy a chanté la belle ballade « never let me go », ce qui à ma connaissance est inhabituel chez lui.

the legendary Hasaan

2011-09-17T03:48:00.000-07:00

Il est peu probable que vous ayez jamais entendu parler de Hasaan Ibn Ali ; à moins que vous ne soyez, comme moi, un inconditionnel de Max Roach. En effet notre Hasaan n'a enregistré qu'un seul disque, celui là, justement sous l'égide de Max.

Arrêtons nous un moment sur ce patronyme bizarre : Hasaan Ibn Ali, qui n'était pas son vrai nom, notre lascar s'appelait en réalité William Henry Langford. Dans les années 50 et 60 les noms musulmans, avec la religion qui va avec, était plus que tendance dans la communauté africaine américaine, particulièrement chez les artistes, musiciens etc . L'influence de Elijah Muhammad puis de Malcom X était forte, forme de résistance au racisme ambiant et distinction identitaire mêlées. Après la mort de Malcom et la fin de la lutte pour les droits civiques, ce qu'il faut bien appeler une mode est passée. De nombreux scandales qui ont émaillé la vie du mouvement The Nation of Islam, forme institutionnelle de l'islamisme Africain Américain, n'en ont évidemment pas accru l'attractivité. Le 11 Septembre n'a rien arrangé de ce point de vue et les troupes de Louis Farrakhan, actuel leader du mouvement ont fondu comme neige au soleil de La Mecque. Les fréquentations douteuses, et vraisemblablement les financements qui allaient avec, de Farrakhan avec Kadhaffi ont fini de ternir sa réputation.

Louis Farrakhan

Quoiqu'il en soit, à l'époque, de nombreux musiciens ont adopté un patronyme islamique. C'est ainsi que Fritz Jones est devenu Ahmad Jamal, William Evans, Yusef Lateef et Art Blakey Buhaina. Si ce dernier a gardé son nom de scène les deux premiers sont restés scotchés avec leur nom musulman jusqu'à ce jour alors que leur foi musulmane est peut être aujourd'hui questionnable. A propos de Ahmad et Yusef ils ont joué ensemble cet été à Marciac ; Evènement considérable qui a été retransmis par France Musique mais qui, pour de fumeuses raisons de contrats, n'est pas disponible en Poadcast. Une fois de plus que font les pouvoirs publics ?

Revenons s'il vous plait à Hasaan dont il faut le dire nous nous sommes bien éloignés. Notre homme était de Philadelphie comme beaucoup de musiciens, de John Coltrane à Philly Joe Jones en passant par Lee Morgan. A propos de ce dernier, Philadelphie était une telle mine que le célèbre ensemble de 1958 des Jazz Messengers était, hormis Art, constitué uniquement d'originaires de Philly. Localement Hasaan était une « légende », un peu comme Willy Jones à Chicago ; le genre de type capable d'accompagner tous les musiciens de passage et qui néanmoins possédait un style personnel étrange. Son style s'inscrivait dans la lignée Thelonious Monk, Herbie Nichols, Elmo Hope. Il rend d'ailleurs hommage à ce dernier sous le titre Hope so Elmo. Dès l'age de 15 ans il jouait dans l'orchestre de Joe Morris où il croisera Johnny Griffin qui ne tarissait pas d'éloge sur lui.

Lassé d'une seule gloire locale il tentera sa chance à New York, déjà âgé de 33 ans ( l'age du Christ à sa mort ce qui en soi n'était pas un bon présage ) et, sur la recommandation de Kenny Dorham enregistrera ce disque avec Max Roach qui sera fréquemment réédité sous le nom de Max ( Max Roach trio ). En 1965 un second disque sera réalisé, avec son élève d'alors le sax Odeon Pope. Malheureusement non sorti à l'époque et les bandes disparaîtront dans l'incendie de l'entrepôt de la firme Atlantic en 1974. Décidément malchanceux il retournera dans sa ville natale où il disparaîtra en 1981 à l'age de 50 ans.

Il nous a laissé ce disque dont des générations d'amateurs se sont demandé qui était ce Hasaan et en quoi il était légendaire. Vous avez aujourd'hui une partie de la réponse !

Un petit extrait DU disque .

Hasaan Ibn Ali ladies and gentlemen.

Le vidéaste amateur de Jazz Bert Primack tient un blog vidéo chaque jour. Vous pourrez le trouver là :

http://www.youtube.com/results?search_query=Day+by+Day+with+Bret+Primack+&aq=f

Ci dessous celui d'aujourd'hui consacré à Cannonball Adderley. La question du jour : quel est votre disque préféré de Cannonball et votre solo préféré du susdit. Ma réponse personnelle : Celui avec Nancy Wilson et le solo sur Waltz for Debby avec Bill Evans . Et vous ?

A bientôt chers petits amis...

Elek Bacsik

2011-09-15T06:04:00.000-07:00

On fait maintenant des sondages sur tout. La période qui vient, avec les élections qui s'annoncent, ne va pas faillir à la règle et nous allons sans nul doute être abreuvés de chiffres dans tous les sens.

Rassurez-vous je ne vais pas vous parler des élections ni d'autres choses approchant mais comme à mon habitude du jazz qui lui aussi fait l'objet de sondages. Ça vous la coupe !

Une des nombreuses associations américaines a reçu un don de 200 000 $ pour effectuer une enquête d'opinion sur la fréquentation des concerts de jazz aux États-Unis. La jazz audience initiative, puisque c'est son nom, vient de rendre publiques les conclusions d'une enquête menée auprès des acquéreurs de tickets d'entrée dans 19 villes des États-Unis. Cela concerne essentiellement les grands événements comme jazz at the Lincoln center,Monterey jazz festival etc...

Un des enseignements de cette étude, qui n'est pas des plus réjouissantes par ailleurs, concerne la typologie de la population concernée : l'audience est essentiellement composée d'hommes, d'age moyen et à 80 % blanc. Seulement 17 % des sondés avaient moins de 45 ans !

Par ailleurs les acheteurs de tickets plus jeunes semblent avoir des goûts plus éclectiques que leurs aînés ; ce qui signifie moins de véritables amateurs de jazz purs et durs parmi la jeunesse, pourtant déjà mal représentée.

En réalité, comme souvent, les résultats d'une telle étude, à 200 000 $ rappelons le,ne sont guère surprenants et sont à l'image de ce que chacun peut observer en assistant à un concert. Peut-être que la jazz audience initiative aurait fait 200 000 $ d'économie en me demandant simplement mon avis !

Le seul point positif de cette étude et qu'il apparaît que « 70 à 80 % des sondés souhaiteraient assister à plus de concerts de jazz qu'ils ne le font actuellement ». Enfin je ne sais pas si c'est réellement positif car pris à l'envers cela signifie que 20 à 30 % des sondés trouvent que c'est largement suffisant ; peut-être ne viennent-ils à ces concerts que pour se montrer, accompagner leurs conjoints, ou avoir quelque chose à dire pour le prochain dîner en ville.

Je ne sais pas trop ce que les organisateurs peuvent tirer d'une telle étude. Pour ma part je crois que le jazz a montré son caractère cyclique ; on a prédit sa mort de nombreuses fois et il s'en est toujours relevé.

Unsung Heros

il y a peu de musiciens à la carrière aussi curieuse que celle d' Elek Bacsik. En effet, ce tzigane hongrois a connu une petite célébrité en France au début des années 60, puis a replongé ensuite dans l'anonymat quasi total.

Grand voyageur comme tous les tziganes (on le disait cousin de Django Reinhardt, ce qui était vraisemblablement faux) il était arrivé à Paris, après avoir visité la Suisse, le Liban, l'Espagne et l'Italie, en 1959. Intégré à la communauté des musiciens de jazz très rapidement, son grand talent de guitariste, inspiré à l'époque par Tal Farlow ou Jimmy Raney, lui a ouvert les portes d'une certaine notoriété . Il faut se rappeler que l'époque est plutôt favorable au jazz ;Jacques Loussier, les double six ou Lou Bennett connaissent plus qu'un succès d'estime. ça ne durera malheureusement pas.

Après avoir gravé plusieurs disques pour la défunte marque fontana, il accompagnera des vedettes de « variétés » comme Serge Gainsbourg qui écrira des lyrics sur une de ses musiques, ou Jeanne Moreau sur son unique disque de chanteuse. Il passera fréquemment à la télévision, représentant le jazz sur les écrans.

La série Jazz in Paris a réédité ses disques Fontana, qu'on doit donc trouver assez facilement.

Sentant sans doute que le marché était saturé et que le bon temps parisien ne durerait pas, notre héros s'empressera de filer aux États-Unis avec un orchestre tzigane. Désormais consacré complètement au violon électrique, il ne connaîtra malheureusement pas la carrière d'un Jean Luc Ponty. Il disparaîtra à Chicago en 1994.

Une illustration musicale où l'on voit notre Elek par la grâce du re-recording et du Play Back jouer simultanément de la guitare d'accompagnement, de la lead guitare et du violon.

Elek Bacsik ladies and gentlemen :

A bientôt chers petits amis...

Mat Mathews

2011-09-13T05:50:00.000-07:00

Accordion Mat

Le pianiste Pete Jolly, qui jouait aussi de l’accordéon disait : "Un homme bien élevé est quelqu’un qui sait jouer de l’accordéon mais qui ne le fait pas".

J’ai longtemps partagé cet avis tranché. Pour des raisons culturelles que l’on a du mal à imaginer aujourd’hui. La rupture générationnelle, en matière de musique notamment, n’a sans doute pas d’équivalent historique avec celle des soi disant "Baby boomers" . Né et élevé dans une famille populaire de la banlieue parisienne, l’accordéon, quand j’étais adolescent, représentait tout ce que j’abhorrais, bal musette, moules frites et rouge qui tache quand j’en étais au rock and roll, jeans et coca cola.

Ma découverte du Jazz n’a pas réellement arrangé les choses. Peu persuadé à l’écoute de Gus Viseur, contemporain et compagnon de Django, ni de Marcel Azzola malgré ses tentatives Jazzifiantes, tout cela sentait encore la java honnie…

Mon premier contact avec un accordéon swinguant a été l’écoute d’un disque de Duke Ellington des années 30; l’orchestre accompagnant sur deux titres le chanteur-accordéoniste Joe Cornell, particulièrement Accordion Joe très dansant et enlevé. Il était donc possible de faire quelque chose de Jazzique avec le piano à bretelles. Mais pouvait on imaginer autre chose que l’agréable mais limité Joe Cornell ?

La réponse viendra de Mat Mathews qui sera le premier à utiliser cet instrument dans le nouvel idiome be bop. Ses disques ne sont pas nombreux et le meilleur est celui-ci :

Avec un personnel de premier ordre, en 1956 ( Art Farmer, le corniste Julius Watkins, Gigi Gryce à l’alto , Herbie Mann, Oscar Pettiford et Kenny Clarke ).

En fait j’ai appris plus tard que Mat n’était pas du tout américain mais Hollandais et qu’il avait découvert le Jazz à la libération en fréquentant les bases et radios américaines. Son vrai nom était Mathieu Schwartz, patronyme qu’il détestait et prénom imprononçable en Amérique, d’où notre Mat Mathews…

Emigré aux Etats Unis comme ses voisins belges Bobby Jaspar ou Toots Thielmans, il y fera une petite carrière, accompagnant notamment la chanteuse Carmen McRae.

Son succès ayant été très limité il rentrera at home au début des années 60 et poursuivra une petite carrière de musicien ordinaire, arrangeant des choses pour la radio et jouant ici ou là. Il disparaîtra en 2009 à l’âge de 84 ans.

Il a eu le mérite d’essayer le premier d’adapter son instrument à la nouvelle tendance du Jazz, non sans une certaine réussite. L’accordéon depuis a repris un peu de poil de la bête, particulièrement en France avec Richard Galliano, ou ailleurs avec Art Van Damme.

Il reste que si on peut théoriquement swinguer avec n’importe quoi, l’accordéon avec son attaque paresseuse et sa sonorité…on va dire typée pour ne pas mécontenter les accordéonistes, ne se prête guère à l’exercice. Le talentueux Mat Mathews n’en avait que plus de mérite. Filmé bien après son retour des States ( en 1997 précisément )…

Mat Mathews ladies and gentlemen:

A bientôt petits amis...

Louis-Ferdinand et le Jazz

2011-09-11T03:46:00.000-07:00

"Voltaire faisait une remarque très judicieuse et, à mon sens, importante, très importante, très importante dans c'te petit domaine...Il disait, dans une certaine nation, à une certaine époque, il naît trois, quatre, cinq illuminations de caractère...Par exemple, il comptait Eschyle, Sophocle, Euripide, qui traitaient les mêmes tragédies à peu de chose près, n'est ce pas...Puis après, plus rien...Ben regardez le siécle d'Elisabeth, Marlowe, Shakespeare, Ben johnson, et pis après pft ! Fini...On tombe dans le casse graine...On tombe dans le...N'est ce pas, ça dégringole...C'est à dire qu'il n'y en a pas beaucoup, n'est ce pas, de ...Regardez les impressionnistes...Ben, il y a les impressionnistes, pis après, on a mangé de la sucée d'impressionnistes, pis maintenant, on finit dans l'abstrait, dans rien du tout n'est ce pas...ça pompe n'est ce pas...Y a ...Evidemment, un bonhomme ne peut pas faire tout le temps des preuves de passion, n'est ce pas...Au bout d'un moment, la passion est morte, y retombe et il a envie de dormir ou d'aller se reposer, n'est ce pas...Alors, c'est un peu ce qui se passe ...un bonhomme ne peut pas faire tout le temps des preuves de passion, n'est ce pas...Après on a beau agiter le morceau, n'est ce pas, pour arriver à...à dire le mot...une éjaculation, ben on ne la produit pas...voilà...L'bonhomme infiniment, se...se travaille énormément, pis y n'fait rien, parce qu'il n'a plus la puissance..."

Ce texte de 1960 n'est pas un texte écrit par Louis Ferdinand Céline, mais un entretien sur magnétophone avec l'ermite de Meudon recueilli et retranscrit par Jean Guénot. Bien qu'on s'imagine à tort que le style écrit de Céline s'apparentait au langage parlé, sa parole est fort différente de son écriture, quoique pas complètement.

Mais je ne suis pas là pour vous parler de Céline, l'homme qu'on adore haïr et l'écrivain qu'on admire, mais du Jazz. Voyez pas le rapport ? Bien sur Céline n'a jamais écrit sur le Jazz ni à propos du dit Jazz ni, à mon avis, su exactement de quoi il s'agissait . Quoi qu'il utilisât le mot parfois, essentiellement pour caractériser le style de certains écrivains américains, et, je crois, celui de Paul Morand ; ce qui n'avait guère de signification. Sans doute pour Louis Ferdinand le Jazz était une musique enjuivée qui participait du vaste complot contre l' occident chrétien, lequel d'ailleurs ne trouvait guère grâce à ses yeux non plus. Sacré Ferdine !

Non, le propos est le sens du texte lui même qui s'applique parfaitement au Jazz. Le Free Jazz, par exemple, produit des maîtres, Archie Shepp- Marion Brown- Albert Ayler- et des chefs d 'oeuvre dans la dernière partie des années 60 ( des tas de scories également ) puis plus rien ; Dans les années 70 la musique s' abâtardit complètement dans la fusion qui a été le pire que le Jazz ait donné, comme si le siècle était épuisé et, comme dit Céline, "la passion est morte". Il y a évidemment des raisons extra musicales à tout cela ; la période considérée est celle du grand remue ménage de la jeunesse baby boomeuse, de la guerre du Viet-Nam et tutti quanti. D'autres que moi ont sans doute analysé le phénomène.

Ce que dit Céline est vrai des périodes mais également de certains musiciens. Examinons le cas de Coleman Hawkins : Après ses années de tâtonnements chez Fletcher Handerson, il enregistre Body and soul en 1939 ; tout est dit. Hawkins ne changera plus sa manière qu'à la marge. Sa sonorité changera pour une raison triviale de changement de bec mais il continuera imperturbablement de faire du Body and Soul jusqu'à sa mort trente ans plus tard. "un bonhomme ne peut pas faire tout le temps des preuves de passion, n'est ce pas." nous dit Céline qui pourtant ne connaissait pas Coleman Hawkins. On pourrait multiplier les exemples : Thelonious Monk en est un autre, après quelques tentatives lui aussi, auprès de Hawkins justement, il apparaîtra dès les années 50, habillé de pied en cap du système monkien auquel il ne changera plus un iota. Ecoutez les premiers enregistrements chez Blue note et les derniers, vous comprendrez "Au bout d'un moment, la passion est morte, y retombe et il a envie de dormir ou d'aller se reposer, n'est ce pas " dit le maître avec justesse puisqu' au bout du compte Thelonious est allé se reposer, puis mourir.

Même les musiciens mineurs ou considérés comme tels n'échappent pas à cette règle . Johnny Griffin définit sa manière précisément, dès son premier disque leader, en 1956. Toute sa vie il jouera, jusqu 'à son dernier souffle musical enregistré, en 2008, d'une façon identique, restant insensible aux différents et nombreux courants, genres et expériences qu'il pourra côtoyer durant sa longue carrière.

Puisqu'on fait dans le littéraire aujourd' hui laissez moi vous recommander le dernier Paul Auster : Sunset Park que je lis en Anglais mais qui vient de sortir traduit chez Actes Sud ( à 22,80 € tout de même, vive le prix unique, vive Jack Lang ! ). Un des personnages est batteur de Jazz parce que, dit il, le Jazz est mort et ne concerne plus qu'une élite. Cela me rappelle le mot de Frank Zappa : "Jazz is not dead, it just smells funny "

Pour terminer un petit cadeau, Tony Bennett au Steve Allen Show.

Tony Bennett ladies and gentlemen:

A bientôt petits amis...

New Orleans

2011-09-09T08:31:00.000-07:00

Pour ceux qui ont suivi le traumatisme post-Katrina et ceux qui ont vu la série Treme ( cf mes précédents messages ) un message d’espoir lu dans le New Orleans Times-Picayune, sous la plume de Keith Spera:

Inauguration du Centre musical Ellis Marsalis.

Mercredi après midi, Harry Connick jr et Brandford Marsalis ont coupé le traditionnel ruban au centre musical Ellis Marsalis, le nouveau centre communautaire pour les arts et l’éducation, au budget multi millionnaire en dollars.

Comme ils présentaient le centre aux journalistes, ils semblaient aussi heureux de le montrer qu’impatients de l’utiliser: « C’est incroyable pour nous d’être finalement là, nous sommes réellement enthousiastes. »

Brandford et Harry

S’il n’y avait pas eu l’ouragan Katrina, il n’y aurait pas eu de centre Ellis Marsalis.

"Je me sentais coupable du même défaut que notre ville a eu pendant cent ans : Se cramponner aux traditions et penser que les choses resteraient éternellement les mêmes " dit Connick " Personne n’imaginait qu’un ouragan puisse mettre la ville sous l’eau. Personne n’imaginait que nos traditions musicales puissent être en danger " .

"L’ouragan a en définitive permis d’ouvrir le dialogue."

A la suite de la catastrophe le logement a été le problème le plus criant. Connick et Marsalis ont trouvé un partenariat avec New Orleans Area Habitat for Humanity pour développer un village pour les musiciens. Depuis le début, dit Connick, le projet incluait un centre musical et culturel. Les 72 logements du village ont été construits avec l’aide de centaines de volontaires. La construction a coûté près de 7.5 millions de dollars. "Nous n’avons lésiné sur rien" dit Connick "tout est de première classe !" .

La salle de spectacle est cablée pour l’enregistrement et le "streaming on line" . Avec son écran rétractable, le lieu peut être utilisé en salle de projection.. Brandford nous indique qu’il a l’intention d’enregistrer ses albums sur place.

Il y a également un laboratoire informatique, une petite librairie musicale et des salles de répétition.

Le parc Toddler, qui fait face au centre, est équipé de structures sonores et d’une promenade décorée de touches de piano et des notes de "When the saints go marchin’ in".

Les mères peuvent s’installer dans le parc avec leurs enfants pendant que les grands frères prennent leurs leçons de musique à l’intérieur.

Le centre a été partiellement financé par une taxe spéciale sur les spectacles et des donations.

Le Dave Matthews band a mis en place un "challenge grant" de 1,5 millions de dollars; c’est-à-dire qu’il doublait chaque donation de ses fans jusqu’à ce montant. En reconnaissance la cafétéria, envisagée comme un lieu de réunion des musiciens locaux, prendra le nom du Matthews band.

Selon Connick, le nom de Ellis Marsalis pour le centre s’est imposé unanimement. Ellis a passé des décennies dans l’éducation musicale, y compris un long passage au New Orleans Center for Creative Arts- où il a enseigné au jeune Connick- ainsi qu’à l’université de la Nouvelle Orléans.

Brandford voit cet honneur comme "un symbole pour tous les professeurs inconnus qui ne reçoivent pas de reconnaissance pour leur travail fait pour l’amour de la musique et de leurs étudiants."

Ellis est très impliqué dans le programme du Centre, et devrait être présent la plupart du temps.

La directrice du centre, Michele Jean-Pierre, nous dit que " les adolescents à la Nouvelle Orléans ont besoin d’activités post-scolaires structurées. La musique est une part de notre tradition et les gosses adorent ça. L’enseignement de la musique n’est plus aussi facile qu ’avant Katrina. L’enseignement de l’art et de la musique est ce qu’on supprime en premier lieu quand les temps sont difficiles. "

Connick et Brandford Marsalis font partie du conseil d’administration du Centre. Bien que Connick vive à New York et Brandford en Caroline du Nord, ils entendent bien utiliser le centre quand ils seront présents et le promouvoir activement lors de leurs voyages.

" Il y a beaucoup de gens qui font des choses formidables à travers le monde et c’est bien " dit Connick " Mais nous sommes dévoués entièrement à notre ville. C’est l’engagement d’une vie. "

Marsalis raconte l’histoire de sa rencontre avec un coiffeur dont le rêve d’enfant était d’ étudier la musique classique mais à laquelle il n’a eu aucun accès.

Le centre dit Marsalis est "une façon de changer les choses ".

Vous l’avez compris c’est une belle histoire à l’américaine. Il ne manque plus que l’invocation de Dieu pour faire totalement couleur locale. Ne soyons toutefois pas trop sarcastique; les américains dans l’adversité nous donnent souvent une leçon d’optimisme et d’esprit positif dont nous sommes généralement dépourvus.

Pour illustrer musicalement cette revue de presse, la famille Marsalis au grand complet: Ellis, Wynton , Brandford, Delfayo au trombone et Jason à la batterie. Je plains le bassiste qui doit se sentir exclu, à moins que ce ne soit un cousin !

The Marsalis family ladies and gentlemen:

A bientôt petits amis...

Ambrose et Jerry

2011-09-07T08:21:00.000-07:00

Crise financière

Comme à mon accoutumée je me suis rendu à la FNAC pour les achats indispensables à la vie de l’homme du XXIème siècle ( cartouches d’encre pour imprimante, Bouquins etc…) . Détour par le rayon CD Jazz, de plus en plus maigre soit dit en passant, mon attention est attirée par le dernier CD de Ambrose Akinmusire, jeune prodige dont on dit le plus grand bien et dont je n’ai jusque là pas entendu encore une seule note. Zou, je rajoute le prodige à ma pile d’achats et ce n’est qu’à la caisse que je m’enquiers du prix. Tenez vous bien chers petits amis = 17,50€ , vous lisez bien dix sept euros et cinquante centimes!!! Conscient de l’arnaque j’ai reposé le prodige soigneusement sur son rayon, et ai perdu ma place dans la file du coup; je vis une vie exceptionnellement aventureuse. Réfléchissons ensemble et imaginons un jeune homme désargenté comme nous l’avons tous été plus ou moins. Imaginons ce jeune homme mélomane soit quatre ou cinq disques par mois pour assouvir sa soif culturelle. A ce blot là c’est un budget , insoutenable, de 100 euros mensuel. Que font les pouvoirs publics ?

A propos de pouvoirs publics je viens de voir le président à la télévision; costume sombre, cravate du même métal, sérieux comme un jeune pape. C’est incroyable à quelle vitesse les choses changent. Ses frasques de débuts de quinquennat semblent totalement oubliées. Les folies ancillaires du prétendant socialiste le font maintenant passer pour un parangon de vertu; presque pépère quoi! Mais s’il veut ma voix il doit préalablement faire quelque chose pour le prix des CD de Ambrose A. Je n’en démordrai pas, il est maintenant prévenu.

Allez Ambrose "17,50 €" Akinmusire ladies and gentlemen:

RIP

On vient d’apprendre la disparition de Jerry Leiber à l’age de 78 ans. Ce nom ne vous dit probablement rien sauf qu’accolé à celui de Mike Stoller ça donne Leiber et Stoller et peut être ça commence à vous parler.

Si vous pensez aux glaces Ben et Jerry vous avez tout faux. Leiber et Stoller étaient des auteurs/compositeurs de centaines de chansons, dans la grande tradition américaine depuis les frères Gershwin. La différence était que leur art ne s ‘appliquait pas aux comédies musicales comme d’habitude mais aux racines du rythm & blues.

Jeune juifs californiens, Mike et Jerry, qui avaient le même âge, trainaient dans les établissements noirs de Central Avenue à Los Angelès aux début des années 50. Leurs goûts pour la musique populaire noire et le Jazz était tel que Mike avait même pris des leçons de piano avec le grand James P. Johnson.

Doués et parfaitement complémentaires, Mike à la musique et Jerry aux paroles, ils ont commencé à fournir des chansons aux groupes de Rythm and blues. C’est par hasard qu’ un jeune bouseux du Sud a piqué une de leurs chansons à Big Mama Thornton. Le bouseux était Elvis Presley et la chanson Hound Dog qui est devenue un succès. Nos héros n’aimaient guère la version de Elvis mais le succès appelant le succès ils écriront un paquet de titres pour le King, dont Jailhouse Rock.

Mais c’est chez le label Atlantic des frères Ertegun qu’ils donneront leur pleine mesure d’auteur compositeur mais aussi de producteurs de groupes comme les Coasters ou les Drifters, d’artistes comme Ruth Brown ou Big Joe Turner. A cette occasion ils écriront un standard indémodable du R&B: Kansas City ( here I come…) et auront un succès énorme avec le Stand by me de Ben E. King. Ils sont également les responsables du très astucieux On Broadway ou du poétique Spanish Harlem.

Cette tradition des duettistes de ce genre, très répandue aux Etats Unis n’existe guère ici, si on excepte la fugace collaboration, dans un tout autre genre, de Prévert et Kosma.

Un petit Hound Dog, l’original par Big Mama :

A bientôt petits amis...

Cleo Laine

2011-09-04T22:15:00.000-07:00

New York, New York…

Si vous passez par New York ce mois ci que peut on vous recommander ? Si on lit la presse américaine quelques évènements valent le déplacement : Tout d’abord sous l’égide du Lincoln Center les papys feront de la résistance le 24 Septembre en soirée.

La troupe de Jon Hendricks ( 90 ans ) se réunira ( Michelle, Aria, Kevin Burke ) sous l’autorité du patriarche; le tout augmenté de Bobby McFerrin et Dianne Reeves. Une belle célébration de l’art vocal en général et du « vocalese » en particulier en perspective. Le répertoire sera celui du regretté trio LHR et l’ensemble sera rejoint par le big band de Jimmy Heath ( 85 ans cette année ). Qui ne regretterait pas d’assister à cette soirée dont les tickets d’entrée se vendent entre 10 ( là où on ne voit rien ) et 120 $ ( là où on voit tout ) ?

Toujours en verve de bonnes actions au service de la communauté, les musiciens américains ont créé le Dizzy Gillespie mémorial Fund- Englewood Hôpital pour venir en aide aux confrères malades et qui ne bénéficient pas de couverture maladie, et ils sont nombreux. Le fonds a déjà distribué 5 millions de dollars et est financé à 100% par des donateurs privés. Pour accélérer la collecte une soirée « Benefit » aura lieu le 15 septembre au Poisson Rouge avec une impressionnante liste de musiciens bénévoles ; parmi eux Don Byron, Ray Anderson ou Elliott Sharp. Le maître de cérémonie sera, j’allais écrire évidemment, Bill Cosby qu’on ne présente plus et qui sera forcément parfait dans ce rôle d’amuseur et de réel amoureux du Jazz. Je ne connais pas les prix mais c’est pour la bonne cause.

Enfin une des meilleures pianistes actuelles, Geri Allen sera cette semaine au Village Vanguard. Le village est un des clubs les plus mythiques et les plus anciens de New York. Le moins qu’on puisse dire est qu’il est « resté dans son jus » , ce qu’on peut regretter ou dont on peut se féliciter selon qu’on préfère le confort et la modernité ou la nostalgie. Si, comme moi, vous ne pouvez faire un saut au Village, la prestation de Geri sera retransmise sur WBGO et NPR Music radio le 7 Seprembre à 21 heures .

Cleo

Il n’est jamais trop tard pour bien faire . Cet adage populaire s’applique à vous sans que vous le sachiez : en effet il est possible que vous connaissiez Cleo Laine. Il est possible également que vous ne la connaissiez que de nom. Il est enfin possible que vous ne la connaissiez pas du tout, ce qui est fâcheux, pour vous!

Le destin de la renommée de Cleo en France est assez énigmatique. Voilà une chanteuse qui est reconnue sur les cinq continents comme une des plus grandes voix du XXème siècle, qui a à son actif une énorme discographie et qui s’est produite avec succès, comme chanteuse ou actrice, sur les plus grandes scènes du monde et pourtant qui est largement méconnue ici.

Son aura en Angleterre est telle qu’elle a obtenu le droit de porter, avant son nom, le titre de « Dame » , équivalent de « Sir » pour les hommes et ce qui signifie qu’elle est commandeur de l’ordre de l’empire britannique ( C.B.E), ce qui, je vous le concède, en matière de Jazz ne prouve rien. Autre distinction: un passage au Muppets show…

Capable de chanter aussi bien Gershwin avec Ray Charles dans l’album « Porgy and Bess » que Poulenc ou Robert Schumann, Richard Wagner ou même Arnold Schoenberg, sa très large tessiture lui autorise tous les genres et toutes les prouesses. Pour ce qui est du Jazz, sa voix brumeuse ( « Smoky » disent les anglais ) fait merveille dans les ballades.

Depuis l’origine de sa carrière elle était associée avec le grand saxophoniste et chef d’orchestre-arrangeur Johnny Dankworth, lui aussi trop méconnu ici, avec lequel elle était mariée, jusqu’à la mort de ce dernier l’an passé. Aujourd’hui âgée de 84 ans il est peut probable qu’elle se produise encore mais il nous reste ses nombreux disques. Celui là est très bien :

Quelques illustrations musicales dont le Summertime avec brother Ray ( oubliez l’ horrible arrangement des violons ) et un petit reportage sur elle par vraisemblablement une télé hollandaise.

Dame Cleo Laine ladies and gentlemen :

A bientôt petits amis...

Pré-Rahsaan

2011-09-02T23:29:00.000-07:00

Etes vous collectionneurs de quelque chose? Contraventions, ailes de papillons ou peines de cœur ? Sale manie que j’évite le plus possible. Mais quand on est amateur de Jazz comme vous et moi il est difficile d’échapper totalement à cette néfaste pathologie. Il est des artistes dont je tente de posséder, sans trop grande fébrilité tout de même, l’ œuvre intégrale; John Coltrane, Sonny Rollins ou Duke Ellington en font partie. Je croyais mon coup réussi avec Hank Mobley et Roland Kirk. Pour Hank je suis toujours persuadé de mon affaire; Pour Rahsaan je commence à douter. Avec ma petite quarantaine de disques du Kirk je me disais : mon lascar je te tiens, j’ai tout écouté. Et puis je tombe par hasard sur un disque inconnu, celui là:

Il est vrai que j’ai une excuse de l’avoir raté; ce disque enregistré l’automne 1964 porte le même nom qu’un autre, enregistré lui en Juillet de la même année: Gifts and Messages. Le premier est un disque studio, avec notamment Horace Parlan, sorti normalement à l’époque alors que le deuxième est un enregistrement « live » au Ronnie Scott’s club de londres, édité beaucoup plus tard par un label britannique.

Première observation: la photo de couverture est mensongère, en 1964 les Jazzmen, y compris l’ original vestimentaire Roland Kirk, portait des costumes cravates. Lors de cette tournée européenne de 1964 Roland a joué à Paris à l’éphémère club le Zèbre à Carreau et il était cravaté comme tout un chacun. Passons sur ce détail. L’enregistrement est un peu artisanal et le couple basse/batterie est brumeux mais celui que forment Roland avec le pianiste est chaudement restitué ( enregistré par un « Ferrograph portable recording machine using a resto ribbon microphone » nous disent les liner notes ) et vaut bien certains rendus aseptisés de studio d’aujourd’hui.

Et la musique me demandez vous avec impatience ? Somptueuse! On imagine mal aujourd’hui la modernité de Roland Kirk à l’époque. Tout cela a été enregistré avant que le free Jazz ne déferle sur nos sillons ( et ne les abreuve d’un sang impur bien sur ) et vous a un air libertaire de première. En public Roland savait relier entre elles trois choses indispensables : Le génie musical d’un coloriste sans limite. En cela il s’apparente à Picasso qui ne cherchait pas mais trouvait- L’ancrage dans la tradition qu’il respectait et à laquelle il rendait un hommage constant-le respect du public avec un son coté showman plein d’humour.

Son talent du collage s’exprime dans Come Sunday au strich qui évoque ici la scie musicale des clowns ou sur Reeling and Rhyming où les trois instruments sonnent parfaitement comme une écossaise cornemuse. La tradition du blues s’exprime elle sur un long et inspiré Bag’s groove. L’humour et le sens du spectacle sont toujours présents, feulements, encouragements aux partenaires, cris, hululements toujours parfaitement pertinents.

Pour les raisons citées plus haut il n’y a rien à dire du bassiste et batteur, qui semblent assurer sans plus ni moins. Par contre avec le pianiste anglais Stan Tracey Kirk avait trouvé un interlocuteur à sa mesure. Tracey était à l’époque le pianiste maison du Ronnie Scott’s et accompagnait au pied levé les américains de passage de Anita O’Day à Freddie Hubbard, un peu comme Georges Arvanitas ici. Mais en plus de sa capacité d’adaptation et d’écoute, Tracey avait une vraie personnalité de pianiste percussif légèrement Monkien qui convenait et pouvait s’exprimer dans le contexte débridé kirkien. Plus tard Stan Tracey produira des œuvres à la Cecil Taylor plus discutables mais, heureusement, en 1964 nous n’en sommes pas encore là.

Je ne sais si vous pouvez trouver ce disque, je crois qu’en cherchant un peu…c’est tout le mal que je vous souhaite.

Roland « Rahsaan » Kirk ladies and gentlemen, en 1969 cette fois:

A bientôt petits amis...

Oscar Moore

2011-09-01T01:13:00.000-07:00

J’ai pas lu, j’ai pas vu…

Les plus anciens se souviennent sans doute de la rubrique de Cavanna dans le regretté Hara Kiri, intitulée « J’ai pas lu j’ai pas vu mais j’ai entendu causer ». Je suis un peu dans cette situation pour évoquer un livre récemment traduit ici: Qu’est-ce qu’on joue maintenant, livre que je n’ai pas encore lu mais pour lequel j’ai été alléché par la chronique de Michel Contat dans une récente édition du Monde. Le lien est ici:http://www.lemonde.fr/livres/article/2011/08/27/jazzmen-sociologues_1564314_3260.html

Si j’ai bien compris, nos auteurs (Becker et Faulkner), musiciens-sociologues, s’interrogent sur le répertoire et sa signification, à l’époque où ce répertoire, standards ou great american songbook, avait une signification et permettaient de faire jouer ensemble des Jazzmen de générations ou de style différents. Les tournées du JATP qui mettaient côte à côte Charlie Parker, Roy Eldidge ou Lester Young en étaient l’illustration ultime. Tout cela a largement disparu avec la pratique des jam sessions et des lieux dédiés à cet exercice. Chacun veut jouer des compositions originales, ce qui est très dommage mais c’est comme ça il faut s’y faire.

Une autre disparition évoquée par Michel Contat est celle des « Musiciens ordinaires » cohorte de ceux qui vivaient plus ou moins bien de leur art et d’où émergeaient les plus talentueux ou les génies comme Armstrong ou Parker. La musique enregistrée a remplacée la musique vivante pour la danse et les concerts se sont substitués aux salles de danse. Comme le pointe sagacement Contat il n’y a plus que des « artistes ». C’est pour cela que mes Unsung heros qui peuplent mes messages s’arrêtent généralement avec la fin des années 60 qui marque la fin des « musiciens ordinaires » et l’avènement des « artistes ».

Dans l’histoire compliquée du Jazz cette distinction entre « musiciens ordinaires », talentueux et génies est évidemment subjective selon la perspective du moment et la révision constante de l’histoire qui s’en suit; Que l’on songe à celle en cours aux États-Unis sur l’apport de Billy Strayhorn par exemple ( je suis en cours de lire sa bonne bio par David Hajdu que je recommande ) ou du pianiste Nat King Cole, longtemps éclipsé par l’excellent chanteur pop qu’il a été ensuite.

Tout ça pour introduire un de ces unsung heros dont la place devrait être réévaluée. Oscar Moore, puisque c’est lui, a brillé justement dans les années 40 dans le trio de Nat King Cole quand ce dernier inventait un genre nouveau dont il était à la fois le pianiste et le chanteur. Les faces gravées par ce trio, dont certaines « live » pour la radio, révèlent un guitariste étonnant de fraîcheur à la fois émule de Charlie Christian et ancré dans le blues. Malheureusement ce sera son heure de gloire sans véritable suite. Après une tentative R&B avec son frère Johnny et le pianiste chanteur Charles Brown ( The three blazers), Oscar gravera quelques disques sur la côte Ouest puis retombera dans l’obscurité jusqu’à sa disparition en 1981; Il abandonnera même tout à fait la musique pour devenir maçon!

Ses successeurs immédiats, Jimmy Raney, Tal Farlow, Johnny Smith etc adopteront un style très différent reprenant de Charlie Christian l’aspect « single notes » très épuré mais perdant parfois chaleur, swing et sens du blues que Moore possédait au plus haut degré. Il faudra attendre l’apparition de guitaristes comme Grant Green puis Wes Montgomery pour retrouver ces qualités dans leur jeu. En ce sens Oscar a été un précurseur injustement oublié aujourd’hui.

Une petit face d’Oscar en 1954 avec le pianiste Carl Perkins et Lee Young, le frère de Lester, à la batterie.

Oscar Moore ladies and Gentlemen.

En parlant de guitaristes on ne peut éviter la marque de guitare la plus usitée et la plus célèbre: Gibson. Je lis dans la presse américaine que l’entreprise ( très prospère) Gibson vient d’être l’objet d’un raid musclé des agents fédéraux. La firme est suspectée d’utiliser pour sa coupable industrie des espèces de bois protégées. Des palettes entières de bois et des guitares ont été ainsi saisies par les Feds. Bien que le patron de Gibson se défende comme un beau diable dans un bénitier le doute est instillé.

Plus grave, un éminent professeur de droit et guitariste à ses heures rappelle que les possesseurs de guitares qui incorporeraient des essences prohibées risquent la confiscation de l’instrument et une amende de 250 $. Gratteux vérifiez fissa votre matos! Heureusement que Oscar n’est plus là pour voir ça.

Pour finir dans l’actualité la « vidéo-annonce » de la sortie prochaine du CD Road Show n° 2 de Sonny Rollins, dont tout ce qu’on peut espérer est qu’il sera aussi bon que le n° 1...

A bientôt petits amis...

vidéos day

2011-08-31T06:04:00.000-07:00

Pour patienter jusqu'au prochain message, deux rares et émouvantes vidéos de Lester Young ( 1958 vraisemblablement ), une répétition sans doute, et une ballade :

Outre l'émotion de voir Lester, le jeu consiste à tenter de reconnaître les musiciens qui l'accompagnent. Pour certains c'est facile, pour d'autres je n'ai pas trouvé moi même...

A demain petits amis...

L’énigmatique Mr. Strayhorn

2011-08-29T14:46:00.000-07:00

C’est très curieux la façon dont une chose conduit à une autre. Pour les besoins d’un petit billet ( cf précédent message ) consacré à Al Sears je réécoutais Duke Ellington en 1946 (1). Parti sur ma lancée ellingtonesque, je me suis intéressé à un disque de Billy Strayhorn, écouté jadis distraitement, celui là, où il apparait comme pianiste, chef d’orchestre et même chanteur :

L’écoute m’a conduit à conclure que Stayhorn était pour moi une énigme aussi bien musicalement que humainement.

Musicalement son travail d’arrangeur, et même de pianiste, est tellement imbriqué dans celui du Duke qu’il est très difficile de reconnaître sa part propre et surtout sa personnalité musicale telle qu’elle se serait exprimée dans un autre contexte. Suis-je clair ? Oui me dit on.

Humainement les choses sont encore plus obscures. Né dans une famille très pauvre de neuf enfants, condamné à la naissance il a survécu par miracle et a été le souffre douleur d’un père fantasque puis absent. C’est grâce à une grand-mère pianiste et à un don exceptionnel qu’il a transcendé sa condition et aurait du, si les choses avaient été différentes dans l’Amérique de l’époque, devenir un concertiste classique. Comme son cadet de quelques années Bud Powell, c’est un peu par défaut qu’il s’est retrouvé « Jazzman ».

La rencontre décisive de sa vie est celle de Duke Ellington qui, séduit par ses dons, l’engagera dès leur première rencontre. Billy avait 23 ans et ça a été un véritable coup de foudre avec le Duke dont il sera l’ami le plus proche jusqu’à la fin.

Le deuxième épisode déclencheur sera la « grève » de L’ASCAP, une sorte d’équivalent de la SACEM, à laquelle le Duke appartenait et qui, en bisbilles avec les stations de radios, avait banni la diffusion de musique par ses adhérents. Devant l’impossibilité de diffuser sa musique et de promouvoir ses disques ( et partant de payer l’orchestre ) Duke a contourné la difficulté en faisant composer nuits et jours Billy, non membre de l’ASCAP. De cette période sortiront des chefs d’œuvre dont Take the A train, qui deviendra l’indicatif de l’orchestre et un des standards ellingtoniens les plus universellement joués. On oublie généralement que , hormis Lush Life et Chelsea Bridge, beaucoup de thèmes célèbres d’Ellington ont été écrits ou Co écrits ( comme Satin Doll) par Billy. Ellington avait l’habitude de dire, en forme de boutade, « Billy fait le boulot et je me fait applaudir! »

L’énigme est l’absence de réelle carrière personnelle pour ce musicien si doué. La réponse est certainement dans sa personnalité atypique pour l’époque. Surnommé Sweet pea en raison de sa petite taille et de sa présumée ressemblance avec le bébé que Popeye avait eu avec Olive Oil (2), Billy était maladivement timide et réservé. Une autre explication est très certainement son homosexualité affichée, ce qui était très rare à l’époque particulièrement dans le milieu Africain Américain. La protection d’Ellington, grand seigneur et célèbre homme à femmes, le mettait vraisemblablement à l’abri des avanies que sa personnalité spéciale pour l’époque aurait entrainées. Mais nous sommes là sur le terrain glissant de la psychanalyse de comptoir…

Actif sur le terrain des droits civiques il sera un ami de Martin Luther King et mourra, alcoolique, en 1967 à 52 ans. En hommage le Duke composera And his mother called him Bill .

A propos d’hommage, Joe Henderson enregistrera ça:

Est également sorti récemment un très bon disque d’hommage par le trompettiste Terell Stafford:

Dans un style néo bop, Terell est un des meilleurs trompettistes de sa génération. Sa maîtrise technique est évidente, même pour des profanes de l’embouchure (3) comme moi.

Il existe une biographie de Billy par un nommé David Hadju ( Lush Life; a biography of Billy Strayhorn ) que je viens du coup de commander. Dès que je l’ai reçue, je la lis et en reparle si ça vaut le coup!

Take The A Train par le Duke et Lush Life par Sarah Vaughan puis, remarquablement, par Queen Latifah, ladies and gentlemen:

A bientôt petits amis...
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(1) Puisqu’on évoque 1946, une petite histoire numérologique. Il se trouve que je suis né cette année là et que Louis Armstrong était censé être né en 1900.. En 1992 j’ai acquis la réédition des ( superbes ) enregistrements de Louis de 1946. Je m’ émerveillais du hasard qui faisait que j’écoutais à 46 ans des titres enregistrés voilà 46 ans , par un monsieur de 46 ans, en 1946. Mais, patatra, nous avons appris ultérieurement que Louis n’était pas né en 1900 mais en 1901. Toute ma belle construction tombait par terre !

(2) J’ai brusquement un doute, Sweet Pea était il le fruit des amours de Popeye et d’Olive Oil ( chose à voir sans doute ) ou uniquement le rejeton de la seule Olive, ou adopté ? En effet ces personnages sont généralement asexués. Y a-t-il ici des Popeyologues ?

(3) Profane de l’embouchure a un côté insulte urbaine. J’imagine bien dans les embouteillages parisiens fuser un « va donc hé profane de l’embouchure!! ». Ça a quand même une autre allure que tête de lard ou peau de fesses non ?

Sara et Andy

2011-08-28T00:46:00.000-07:00

Rien à voir

Ma femme vient de me tancer au motif que mes derniers messages étaient décousus et parlaient de sujets sans liens entre eux. Elle a parfaitement raison et je me repens; pas au point de ne pas continuer à divaguer sur des choses diverses.

Aujourd’hui j’ai envie de vous entretenir d’un de mes auteurs de romans policiers préféré, la chicagoane Sara Paretsky. Selon Jean Paul Sartre la littérature c’est la pléiade et la série noire. En l’occurrence à Chicago la littérature c’est à la fois Nelson Algren ( mieux connu ici pour avoir été l’amant de la sulfureuse Simone de Beauvoir que pour ses livres ) et Sara Paretsky.

Je viens de terminer son dernier roman Body Work et je crois maintenant les avoir tous lus, en Anglais ou en Français pour ceux qui ont été traduits.

L’univers de Paretsky c’est Chicago, du centre ville avec le quartier du Loop aux coins les plus pittoresques, et plus dangereux, de Pilsen ou du South Side. Elle est un peu à Chicago ce que Léo Malet était au Paris de l’après guerre , un regard précis et attendri.

Tout cela au travers des aventures de son héroïne, la détective privée V.I Warshawski, fille d’un flic polono-américain et d’une italienne, pur chicago donc. Comme dans Tintin avec Haddock, Tournesol ou les Dupont(d) , au fur et à mesure des romans l’univers de V.I se peuple de personnages secondaires récurrents; Le voisin encombrant et au grand cœur, le chien Mich, la cousine Petra, Lotty Herschel ou les anciennes et nouvelles amours de notre « Private eye ». L’intrigue est toujours bien ficelée et le puzzle ne se révèle que peu à peu dans un suspense remarquablement orchestré. Le fond de l’histoire à toujours un sens: historique avec les droits civiques ou le destin des enfants juifs rescapé de la guerre, féministe souvent.

Mais cela ne serait rien sans l’écriture terriblement efficace de la dame, nerveuse, sans temps mort. La lecture d’un Paretsky est généralement une épreuve pour l’entourage: une fois entamé l’ouvrage ne vous lâche plus et vous sauterez allègrement les repas pour savoir comment V.I Warshawsky ( Victoria ou Vic pour les intimes ) va se sortir des mauvais pas où sa générosité foncière l’a placée.

Publiés à l’origine dans la collection le Masque, vous trouverez aisément ces livres ( dans toutes les bonnes librairies, en dur ou en ligne ) dans la collection Seuil Policiers. Pour commencer je vous recommande un de ses meilleurs, Refus de Mémoire, de 2001.

Toutes ces histoires ne sont qu’un prétexte évidemment pour vous faire entendre le sweet home chicago de Robert Johnson. Astucieux non ?

Si vous ne l’avez pas encore vue, je ne veux pas vous priver de cette formidable vidéo qui traîne sur le net: Andy Bey et ses sœurs. Je ne sais d’où vient cet extrait, film, reportage télé ?? En tout cas …

Enjoy Andy and the Bey sisters ladies and gentlemen.

A bientôt petits amis.

Sarah et James Clay

2011-08-26T02:37:00.000-07:00

Revue des blogs

Dans son édition du 14 Aout, le bon George Colligan rappelle la nécessité impérieuse pour un musicien d'améliorer constamment son jeu. Il donne comme exemple l'attitude de Roy Haynes qui, à l'âge où ses contemprains encore de ce monde jouent au golf ou font la sieste, déploie toujours la plus grande énergie derrière ses futs. De même le regretté Hank Jones qui, jusqu'à son dernier souffle, pratiquait et cherchait quotidiennement.

Pour illustrer la possibilité d'apprendre en toutes circonstances, y compris de ses erreurs, George Colligan nous narre par le menu un des épisodes les plus embarrassants de sa carrière quand, tout jeune pianiste, il avait été appelé à accompagner au pied quasi levé la grande chanteuse Ernestine Anderson. Après deux soirées OK, l'excès d'assurance lui a fait se « planter » dans l'accompagnement et lui a valu les foudres de la diva et l'hilarité du public. Mais il raconte tout ça avec beaucoup d'humour et mieux que moi . C'est là ==> http://jazztruth.blogspot.com/2011/08/trial-by-fire-episode-one.html Vous pouvez sauter les détails techniques ; ça ne nuit pas au récit.

A propos d' Ernestine, qui est une de mes chanteuses préférées, avec beucoup d'autres évidemment, deux infos :

J'avais lu dans la presse américaine, je ne sais plus où en vérité, qu'elle avait été touchée par la crise des « subprime » et faute de pouvoir honorer un prêt hypothécaire elle était menacée d'expulsion à 82 ans .

Il semble que la solidarité de la communauté musicale, Quincy Jones en tête, ait joué et qu'elle soit désormais assurée de conserver un toit sur sa tête. Donc bonne nouvelle.

La deuxième bonne nouvelle est pour moi : je viens de découvrir un disque d'Ernestine que je ne connaissais pas, celui là :

Accompagné par le Clayton-Hamilton big band, Ernestine y brille de mille feux. Allez, pour la route, un petit Ernestine sur All Blues avec des lyrics d' Oscar Brown Jr :

Le blogger Jazz le plus mondialement connu, Marc Myers de Jazzwax fait le point le 17 Aout sur les années Roulette de Sarah Vaughan. Ne vous méprenez pas, les années roulette de Sarah ne signifie pas qu'elle était handicapée mais simplement qu'elle enregistrait chez le label Roulette, fondé plus ou moins par Frank Sinatra et plus ou moins, dit on, controlé par la mafia mais ceci est une autre histoire...Quoiqu'il en soit il analyse avec sa finesse coutumière les nombreux enregistrements de Sarah sur ce label, à l'occasion de sa réédition chez Mosaïc en coffret ( 8 CD ). Si vous êtes en fonds c'est le moment, il semblerait qu'il reste des exemplaires de ce tirage limité à 5000 . Le blog est là ==>http://www.jazzwax.com/2011/08/sarah-vaughan-roulette-years.html Ci dessous la bande annonce vidéo de cette sortie :

Unsung Heros

Un bien curieux musicien que ce James Clay. Texan puis californien comme Ornette Coleman, il sera humainement proche des musiciens de la bande à Ornette des débuts, Charlie Haden le bassiste, Don Cherry le cornettiste et Billy Higgins le batteur. Pourtant stylistiquement il n'avait que peu de rapport avec ses commensaux avec lesquels il enregistrera pourtant à plusieurs reprises.

Un gros son de ténor texan, comme Buddy Tate, Booker Ervin ou Don Wilkerson, au service d'un discours be bop très structuré et appuyé sur le blues, notre James fera merveille avec l'équipe de Cannonball Adderley avec laquelle il enregistrera un très bon disque. Un autre avec le batteur Lawrence Marable et une poignée sous son nom, faisant notamment la « paire » avec David « fathead » Newman qu'il retrouvera plus tard chez Ray Charles. Il sera aussi d'un enregistrement avec Wes Montgomery. Le voici à la flûte, instrument sur lequel il excellait également :

Toute cette aventure se déroulera dans la fin des années 50 et le début des sixties car James disparaitra ensuite dans son Texas natal pour y devenir éducateur. On ne le reverra qu'en 1988 dans le disque de Don Cherry Art Deco avec ses affidés des débuts, Higgins et Haden. Curieux attelage puisque Clay joue dans un style très différent et, à mon humble avis, moins bien qu' à sa grande époque. Le voici, le voilà :

Il reprendra son activité jusqu'à sa mort en 1994, enregistrant notamment avec Roy Hargrove.

Une petite curiosité ; le site AMG qui est la bible de ceux qui sont intéressés par les musiciens donne une bio de James Clay totalement erronée, le confondant avec un autre James Clay qui n'a rien à voir ; cela alors que la disco et les dates correspondent bien à notre Clay. Moralité : à qui se fier si un site réputé aussi sérieux fait de telles erreurs. Ci dessous je prouve ce que j'avance :

A bientôt petits amis...

sax et rossignol

2011-08-24T00:39:00.000-07:00

Le sax des filles.

Vous croyez, naîfs que vous êtes, que Gaston ne s'intéresse qu'à l'archéologie du Jazz, les petits héros oubliés des périodes révolues ou l'âge de glace du « Swing craze ». Pas du tout, vous n'y êtes pas : Gaston s'intéresse à l'actualité, Gaston fait même parfois des crises de jeunisme exacerbées ! Je plaisante évidemment mais il s'est passé plus de choses en dix ans qu'en une seule année voilà pourquoi je privilégie l'histoire à l'immédiateté. Mais parlons des musiciens d'aujourd'hui. Fidèle à mes principes regroupons les méthodiquement en catégories. Aujourd'hui pas de flûtistes unijambistes ni de batteurs rouges de figure mais des filles saxophonistes européennes. C'est commode car ça limite le champ d'études.

Ma première découverte est la saxophoniste hollandaise Tineke Postma, Outre un nom peu commun, notre Tineke a un lourd atavisme. Comment ? une saxophoniste blonde et hollandaise ça ne vous rappelle rien ? Mais si béotiens rappelez vous de Candy Dulfer ! Rassurez vous notre Tineke n'a rien a voir avec la vulgarité de la bimbo batave.

Bien que encore très jeune Tineke a une petite discographie a son actif et le dernier opus The dawn of the light est sorti récemment. Je m'y suis intéressé car notre artiste, diplômée de partout mais on s'en fiche, a maintenant une certaine notoriété internationale. Si sa maîtrise technique est impressionnante, il faut avouer que ni l'émotion ni le swing ne sont réellement au rendez vous. Des compos originales au service d'une musique un peu trop « Europe du Nord » à mon goût, piano billeavansien glacial et mélodies compliquées harmoniquement et rythmiquement. Tineke chante également, de façon agréable. Si mon blog avait beaucoup de lecteurs je m'abstiendrais de faire la fine bouche de peur de lui causer du tort mais c'est l'avantage des publications confidentielles ; on peut y dire ce qu'on veut. Mais Tineke vaut quand même qu'on l'écoute et mes goûts n'ont aucun caractère universel évidemment. Une illustration musicale pour vous faire vous même votre opinion :

Beaucoup plus fort maintenant dans le genre filles saxophonistes : notre compatriote Géraldine Laurent. Nul chauvinisme là dedans mais le dernier disque de GL est parfait. Time Out Trio est le nom de l'ensemble. Cela a- t- il un rapport avec le plus célèbre enregistrement de Dave Brubeck ? Je n'en crois rien. Par contre j'y trouve une correspondance avec un disque enregistré dans le même format- trio sans piano- par Ornette Coleman ; celui là :

Plus raffinée et moins aventureuse, la musique de GL n'est pas sans m'évoquer le grandiose Ornette de cette époque. Le format est exigeant mais donne plus de liberté au soliste. GL a la bonne idée de reprendre quelques standards comme ceux de Charles Mingus et notamment le rarement joué Tijuana Gift Shop dont elle fait un petit bijou. L'avantage des standards est qu'on voit précisément ce que fait le musicien sur un thème déjà connu.

Si vous ne pouvez acheter qu' un CD ce mois ci, privilégiez Time Out Trio, vous me remercierez. Dans l'extrait ci dessous GL joue un thème du disque, rejoicing.

Géraldine Laurent ladies and gentlemen :

Rossignol

Restons chez les dames mais cette fois dans un genre plus traditionnel, celui des chanteuses qui regroupe l'essentiel de la gent féminine dans le Jazz.

Assistant, par hasard il faut le dire, au festival de Jazz de Chicago, j'y ai découvert une merveilleuse chanteuse Dee Alexander, véritable diva localement et peu connue dans le reste des états unis et encore moins en Europe, malgré une tournée en France l'an passé. Son concert, à Souillac je crois, avait été retransmis par Arte et peut être certains l'on découverte également à cette occasion. Ses disques ne rendent pas complètement compte de la magie de sa présence sur scène ; malgré un traitement vocal remarquable, enjambant toute l'histoire de la musique noire d' Ella à la Soul d' Aretha. Purement chicagoanne, elle a été à la rude école de l ' AACM de Richard Muhal Abrams et le jour où je l'ai vue elle était accompagné par un somptueux big band local plus un ensemble à corde qui rendait un effet formidable. Si on en juge par les réactions du public de Chicago ce jour là dans Grant Park son auréole là bas est immense. Quelques photos prises par votre serviteur :

On peut peut être se procurer ses disques, avec sa fameuse composition Rossignol, mais voici quelques extraits musicaux « featurant » la dame :

Dee "rossignol" Alexander ladies and gentlemen :

A bientôt petits amis